subsidio

ANDERS ILAR - Sworn

2009-01-06T16:02:00.002-03:00

It's been two years since Anders Ilar recorded his excellent Organza EP for Level Rec, and with Sworn he returns for a full-length outing. For this latest album, Ilar goes far beyond the ordinary parameters of music formatted around techno beats and delves into a far more involved electronica sound. Although tracks like opener 'Hillside' and the electroacoustically slanted 'Colours Of Rain' are keen to slap a kick sound on every crotchet, it could almost be an arbitrary gesture to signpost this music towards a comfortable genre classification. As with much of Vladislav Delay's more beat-driven work, there's a lot more to this than whatever's suggested by the drum programming, and some of Ilar's music shifts between adventurous abstraction and the kind of melodic elaboration most techno producers would consider to be surplus to requirements. 'September Nights' could be an old Arovane production but for its stringent 4/4 backbone. Otherwise the ornate, experimental approach to melodic development is straight out of the post-Autechre mindset. Importantly though, none of this sounds dated or out of place, instead carving out a rather unique corner of the electronic music universe that's all its own. Boomkat

ANDERS ILAR - Sworn

MOVE D & BENJAMIN BRUNN - Songs From The Beehive

2009-01-05T19:09:00.004-03:00

David Moufang's catalogue must be one of the deepest and most sprawling in electronic music - he has been involved with so many projects, for so many labels, with so many different sounds over the last 15 years that it's impossible to know where to begin - taking in elements of Techno, Jazz, Drone, House and ambient music along the way. In the last twelve months, though, he seems to have been discovered all over again by a new generation of music lovers and club goers taken in by his deep, inimitable style. His collaborative venture with Benjamin Brunn started out life on the Raster Noton related Bine imprint, but it's this amazing set for the lovely people over at Smallville that's really got pulses racing with anticipation. "Songs from the Beehive" features 7 extended tracks that take in disparate elements from across Moufang's career, merging them into an immersive wash of sounds that drive around padded beats designed for the floor, yet surrounded by sound fragments and tapestries rarely associated with Techno music. The opening "Love the one you're with" is a case in point, over 12 minutes the track evolves from a hazy stew of audio shrapnel and loose samples to a deep and bouncy Techno shuffle full of scattered keys and almost funked up changes. The fact that it takes the kickdrum almost 5 minutes to make an appearance tells you a lot about the pace and compositional attitude of these tracks - slowly taking time to unfold and unravel, revealing new dimensions with every repeat listen. Lead single "Honey" makes a welcome appearance, while the immense "Come In" exudes a breathless elegance that's all midnight keys and paralysed motion - it's just impossibly lovely. With really quite sublime artwork from Stefan Marx, this really is quite a treat for followers of Move D and great electronic music generally - we urge you to check it out. Boomkat

MOVE D & BENJAMIN BRUNN - Songs From The Beehive

DENZEL & HUHN - Paraport

2008-12-24T12:00:00.005-03:00

Some time has passed now since Bertram Denzel and Erik Huhn's debut full-length, the epic 'Time is a Good Thing', and in the years that have passed their patented brand of textured, looping ambience has reached heady new heights of popularity. Denzel & Huhn's production methods are deceptively simple; songs are written and played with 'real' instruments, then deconstructed carefully into loops and small samples before being re-assembled and reformed, sculpted and fashioned into new compositions. Thanks to this process the resulting work is comparable to listening to the ghosts of music past; there are distant echoes of instruments crushed beyond recognition, eruptions of rhythm and rumbles of electronic excess - yet none of these elements take a firm grip, every element is like a layer of silt at the bottom of a gently moving river. You might hear for a moment a flute or a distant organ sound, a saxophone or string bass, but in seconds it's gone only to be pushed into the back of your mind, and the track has moved into a fresh direction. The opening track 'Kleiner Bruder' is a perfect example of this; opening up with the sort of grandiose strings we might associate more closely with Denzel + Huhn's City Centre Offices label mate Marsen Jules, but before long the electronic elements push the strings into submission to make way for a lightly plucked acoustic guitar that glistens with intimacy. Elsewhere 'Karlsruhe' blends noisy pads and ethereal bells with bowel churning bass and occasional spluttering analogue percussion to devastating effect - this is music which literally sounds like it has been put through a reel-to-reel machine so many times that it has degraded beyond all recognition, and it's all the better for it. Denzel & Huhn find beauty in disperate elements, a bric-a-brac shop of sounds made up of aural treasures that have been abandoned and unseen for so many years that they are draped in thick dust and an ageless charm. This is a record you can go back to time and time again and keep on finding new elements to digest, fresh surprises, a record that genuinely needs to be given a warm and loving home. It's the finest antique you'll buy this year. Boomkat

DENZEL & HUHN - Paraport

ANDUIN - Forever Waiting

2008-12-22T09:40:00.002-03:00

Until now best known as a member of experimental band Souvenir's Young America, Jonathan Lee of Richmond, Virginia makes his solo debut as Anduin with some considerable style. The tone of 'Forever Waiting' at least partly subscribes to certain aesthetic conditions that could be classified under the dark-ambient banner, but there's nothing here that wallows in the cloudy, post-metal atmospherics you might tend to associate with that increasingly popular sub-genre. Instead, Anduin's music permits a little light into all that shade, and while 'Rain Cloud, Storm Cloud' and 'Reason In Exile' prove impermeably bleak and muffled, elsewhere even the most sinister and downbeat passages of 'Makepiece in Pieces' are leant some modicum of brightness and accessibility thanks to piercing, reedy tones. In the album's latter stages the sound palette is broadened considerably by the recruitment of Jasper TX and Xela as remixers. The former's 'Reason In Exile (Part 2)' is produced with all the skill and craftsmanship evident on his recent Black Sleep album for Miasmah, combining a mighty sub-bass drone with beautifully filtered guitar phrases, all lovingly mangled and blurted out of the Jasper TX digital blender. Next up, on 'For Francis Bacon (Part 2)', is Boomkat's very own screaming pope: John Xela, blending unnervingly angelic falsetto with shortwave interference during the early passages only to unleash the full might of his noise generators in the latter stages, when all hell breaks loose. Eventually, the demonic squawking abates to reveal a murky, yet very melodic guitar progression, with more shadowy vocals floating around in the far-off distance. Boomkat

ANDUIN - Forever Waiting

Byetone - Death of a Typographer

2008-12-19T15:55:00.002-03:00

Leading up to Death Of A Typographer, Olaf Bender unveiled the Plastic Star EP, arguably the most dancefloor-centric release in the entirety of the Raster Noton discography, featuring remixes from the likes of Sleeparchive, who perhaps for the first time in his/their career was just about the least minimal thing in the vicinity. A version of 'Plastic Star' is included on the album, sounding as much like Pan Sonic as it does the reductive clicks and whirrs more commonly associated with the Raster Noton sound. The big, distorted melodies (yes, you did read that correctly: melodies) are far more direct than you'd expect, while the beats remain brilliantly rigid and disciplined. 'Black Is Black' offers another perspective on this curiously approachable aesthetic, establishing an actual bassline - it's rather odd to talk about a Raster Noton album in such familiar terms, but sure enough, that's definitely a bassline. Two-parter 'Capture This' is different again, drawing on atmospherically charged drones and brittle percussive patterns, resulting in a production style that invites comparisons to Kangding Ray's more full-bodied variant on the post-clicks & cuts template, although there's no human presence here (nothing so frivolous as vocals or discernible instrumentation), and however far this music strays from the extremes of minimalism, it remains icy and distant. You really wouldn't want it any other way though. While Bender's production style encroaches on techno at times, it never gets bogged down with the structural conventions of any specific genre, instead only barely fraternising with the idea of dancefloor-based music - in a sense Death Of A Typographer offers a variant on the Raster Noton sound that's been stripped of its conceptual grounding, instead content to speak the same musical language as - for example - an Alva Noto release, without the emphasis on processes or working methodologies. Despite the apparent discrepancies, this album remains instantly identifiable as a Raster Noton product, reaffirming the notion that the Chemnitz-based imprint is more than a record label - it's a genre unto itself, and as one of its founding fathers, Olaf Bender has made an important contribution, occupying a sound that's at once familiar and yet somehow more immediate and more accessible than perhaps it's ever been. Boomkat

Byetone - Death of a Typographer

ROD MODELL (DEEP CHORD) - Incense & Black Light

2008-12-18T17:40:00.004-03:00

Deepchord's Rod Modell is a fascinating character, operating outside of any regular techno circles and in possession of a rich and genuinely beautiful back catalogue that has kept him away from the more predictable manoeuvres so many of his contemporaries have fallen into. His love of suggestive sound sources and analogue processes is clearly not born out of any "fashionable" urges, but a true and rich fascination with the sonic detritus that litters our world and the space above us, as far removed from the pristine machinations of Minimal techno as can be imagined. Modell has had a busy and highly productive 12 months and is now more visible than at any point over his decade long career, finding acclaim and appreciation via his involvement in releases for Echospace, Modern Love, Echocord, SYNTH and Silentes, but it is with this remarkable album for Plop that he appears to have sunk in to his most immersive and reductive frame of mind, producing a staggering series of frayed dub variations for contemplative and at times propulsive ingestion. The album opens with the incredible "Aloeswood", a stretch of rusting chords and found sounds filtered into oblivion, creating a kind of aural tension that builds and radiates a narcotic hum of distorion and space that sets the framework for much of the album's uneasy bliss. By the time "Cloud Over" kicks into life Modell is back in the presence of more traditional percussive arrangements and neon lights, but there's something impossibly fragile and uneven about the production here, like the mastertapes have been left out to slowly decompose and take on the elements, leaving almost audible battle scars that arrange themselves like rings betraying the age and struggles of a freshly cut tree. "Ultraviolet World" is another breathtaking layering of field recordings and machine made processes, with dense and impossibly woozy side effects slowly reconfiguring your perception through repetition and barely noticeable change, the mark of a confident and purposeful artist at the peak of his powers. If you're a follower of Modell's transmissions under his own and deepchord/echospace monikers you'll have an idea of what to expect from this wonderful album, but the development of sound and ease with which Modell treads on more obtuse terrain should also draw you in if you're one of the many people out there still in awe of the works of Thomas Köner and Wolfgang Voigt's peerless Gas project. Boomkat

ROD MODELL (DEEP CHORD) - Incense & Black Light

XELA - In Bocca Al Lupo

2008-12-16T15:43:00.003-03:00

With a title translated as Into The Mouth Of The Wolf, John Xela's new album follows up the horrific soundsc(r)apes of The Dead Sea with an hour-long, four-part journey into the more sinister recesses of Christianity, traveling further and deeper than ever before into the dark heart of electronic sound. 'Ut Nos Vivicaret' embraces the distant, spectral sounds of church bells, submerged in a foggy environs, pumped full of Philip Jeck-style crackle and mustiness. Bowed strings entangle themselves with menacing, corrosive humming noises while nagging, primordial electronics rattle and pulsate in the mix. A direct continuation of all this, 'In Deo Salutari Meo' brings sounds from the far-off distance a little too close for comfort, with a range of rustily sonorous bell chimes shifting into the foreground, by now seeking accompaniment from the what sounds for all the world like the noise from the red generator in the Texas Chainsaw Massacre. This is what dark ambient music should always sound like: not just a combination of muffled, creepy chords, but a collection of genuinely unsettling timbres, all seemingly rising from shards of everyday background noises, transforming into something entirely nefarious when combined with one another. 'In Misericordia' is a little harder on the ears, lurching onto the territory of noise-drone you'd hear from Hototogisu or Yellow Swans at their most lurid. These acerbic tones turn out to be a mere warm up for the final act however, and the closing twenty-minute crescendo 'Beatae Immortalitatis'. For this final piece Xela is joined by Heavy Winged's Jed Bindeman, who previously provided percussion on the Xela/MGR split release from earlier on in the year. The drums build up in a measured, nicely poised fashion, mirroring the escalating ferocity of Xela's bank of oscillators. As this maelstrom of free-roaming noise-rock comes to a head, the duo propel themselves to Flower / Corsano levels of agonising post-skronk, with screams, howls - and very possibly the gnashing of teeth - all resounding horribly as part of the din. In Bocca Al Lupo takes the guiding principles of The Dead Sea to the next level, displacing the maritime-gothic drones from their briny locale and relocating them to the upturned altars abandoned vaults of ruined churches. He might find himself sharing a corner of hell with Dan Brown for his 'colourful' re-imagining of the Christian doctrine on that somewhat dubious sleeve, but he's made a tremendous record along the way - a definite highlight within the already estimable Type Records catalogue. Boomkat

XELA - In Bocca Al Lupo

Novelaria: un nuevo blog

2008-12-09T16:15:00.001-03:00

Hola a todos. Desde hace un tiempo, como algunos lo habrán notado y otros no, mis apariciones por estos parajes han sido escasas. Las excusas son las de siempre, mucho trabajo, poca inspiración, cansancio, otras herramientas de la web que llamarón más mi atención. Muchas cosas.

Ahora bien, me di cuenta que este blog, al que tanto cariño le tenemos con el Sr. Venter, es más que nada, un blog de música (increíble descubrimiento el mío). Que de alguna manera, los escritos (literarios?) y los posteos sobre cualquier novedad tecnológica, cinematográfica, editorial, televisiva, o lo que fuera, cada vez estaban más fuera de contexto.

Y esto no lo digo con ánimo lastimoso ni con ganas de recibir palmadas en la espalda. Simplemente creo que un blog que condense su temática, automáticamente amplifica su calidad y filtra mejor la llegada de sus lectores, entregando el material que se busca y no otra cosa.

Por esta razón decidí que ya era tiempo de abrir un nuevo blog. Uno en el que las historias estuvieran solas. Rodeadas de ellas mismas. Un desafío para intentar comprobar la supervivencia de la palabra.

Por aqui se queda Venter con su ancestral música, La presencia poco metódica de "El Club de la Serpiente" y ya veremos que otras cosas pueden ir sucediendo.

Resumiendo, voy a migrar algunos textos de Subsidio al nuevo blog, los que considere más interesantes o menos peores. Y voy a intentar escribir nuevas cosas.

Están todos invitados. Es por acá www.novelaria.com.ar

Gracias.

Gabo Caruana.

LOTHAR OHLMEIER/ISAMBARD KHROUSTALIOV - Nowhere

2008-12-09T14:25:00.003-03:00

Nowhere is the first collaboration between Dutch jazz bass clarinetist and soprano saxophonist Lothar Ohlmeier and Isambard Khroustaliov, the alter ego of British experimental musician Sam Britton, who is more commonly known as one half of electronic entity Icarus. Ohlmeier studied music in Hannover and Amsterdam before establishing himself at the forefront of the Dutch improvised music scene. He has since collaborated with a wide range of jazz artists, including pianist Julia Sassoon and drummer Bart van Helsdinger, with whom he formed Azilut! in 2000. Now living in England, Ohlmeier continues to perform all over Europe. Meanwhile, beside his regular stint with Icarus, Sam Britton has been working on solo projects under his Isambard Khroustaliov guise, releasing a first limited CDR, entitled 8 Minutes, on the band’s imprint, Not Applicable, in 2002, followed by a collaborative effort with Italian-born percussionist Maurizio Ravalico, Five Loose Plans, in 2006. The fruit of three years of work, the five tracks presented here, culled from recordings made during a residency at the IRCAM in Paris and at various music festivals across Europe, demonstrate the increasing connections between traditional improvised music and modern forms. While similar collaborations have been flourishing in recent years, that of Four Tet’s Kieran Hebden and jazz drummer and percussionist Steve Reid being the most high profile, Ohlmeier and Britton create here a rich and vibrant sonic space within which they freely feed from each other. Ohlmeier’s clarinet is the main focal element throughout, in turn floating high above the sonic backdrop or simple source component for Britton’s intricate constructions. It is as if every possible sound had been extracted from the instrument, from its most common to its most visceral. The clickety-clicks of the keys, the surplus air escaping through the tone holes, the breathing of the wood become as many structural elements for Britton, who creates here a tapestry as finely detailed and diaphanous as the wind chime-like drapes crafted with Icarus in their wonderfully poetic I Tweet The Birdy Electric album. Here though, it is the organic nature of the instrument that commends attention. Both through Ohlmeier’s elegant flourishes and variations and Britton’s infinitesimal renderings, the clarinet comes to life, erupts in multiple forms, circles above and lingers below, lives deep within and far out, with only occasional external sounds (a prepared piano, most notably, on After Sunrise and Dusk as well as furtive found sounds) to widen the core soundscapes. The level of symbiosis between the two musicians is such that the boundaries of their respective interactions is at times blurred, but even when the roles are clearly defined, the work remains dense, coherent, and of very high standard, making this record an unmissable experience. themilkfactory

LOTHAR OHLMEIER/ISAMBARD KHROUSTALIOV

SIN FANG BOUS - Clangour

2008-12-05T19:52:00.003-03:00

Seabear's Sindri Mar Sigfusson delivers his debut solo full-length for Morr, continuing his exploration of technicolour pop with a combination of wide-eyed Paw Tracks-style wonderment and a typically Scandinavian ear for a bit of epic tune sculpting, perhaps evoking similarly talented solo types like Loney, Dear or even Panda Bear now and then. Recent single 'Advent In Ives Garden' gets the album underway, reintroducing us to SIndri's eccentric grasp on melody, something that tends to be buried beneath several layers of orchestration when he's doing the rounds as part of Seabear. On Clangour you'll encounter excitable, quasi-psychedelic cuts like 'Lies', the Jens Lekman-meets-Stereolab lo-fi of 'The Jubilee Choruses' and even a bit of chugging Stranglers-inspired post-punk on 'Melt Down The Knives'. Keeping the good stuff flowing, there's something very reminiscent of Animal Collective on the romping 'We Belong' while towards the end of the record you'll hear reverberating Ronettes drum sounds teaming up with Belle & Sebastian-style arrangements on 'Carry Me Up To Smell Pine', leaving only the excitable processed acoustics of 'A Fire To Sleep In' to finish the album off. A very fine solo debut LP indeed. Boomkat

SIN FANG BOUS - Clangour

SYLVAIN CHAUVEAU - The Black Book Of Capitalism

2008-12-04T20:01:00.004-03:00

Sylvain Chauveau is one of those artists we hear mentioned a great deal, yet he has proven strangely elusive when it comes to tracking down his work. Best known (and easiest to get hold of) is his seminal Fat Cat album 'Un Autre Decembre' which set him up as one of the world's premier exponents of the electronic/classical sound, but Sylvain had already been releasing records long before that album hit the shelves. 'The Black Book of Capitalism' originally appeared in 2000 on the French DSA imprint and sadly never hit UK shores, but Type (Sylvain's new base of operations) have managed to put together a gloriously remastered and repackaged version for the wider world to hear at last. Those of you who have been enamoured with the artist's stark, minimal sound might be shocked at first to hear the variety on offer; 'The Black Book of Capitalism' is far from a mere classical record, and shows a breadth of sound never again seen in Sylvain's catalogue to date. From the mournful, delicate piano-work of 'Et Peu a Peu les Flots...' we are transported through a veritable sideshow of gallic musical expertise, with the doomy almost Bohren-esque jazz of 'Hurlements en Favour de Serge T.' and through a chiming fairytale with 'Derniere Etape avant le Silence'. There are almost traces of Angelo Badalamenti's work lost in the grooves here, with the gauzy world of European cinema seeping from every crack and punctuating Sylvain's compositions with both confidence and a deft humour. It might be over eight years old now but nothing of the album has been lost with time, it has matured with age, showing new depths and character with every year that has gone by. With 'The Black Book of Capitalism' Sylvain delivered his most widescreen work so far and it's an absolute pleasure to be able to hear it again in all its glory. Boomkat

SYLVAIN CHAUVEAU - The Black Book Of Capitalism

Valerio Cosi - Collected Works

2008-12-04T16:30:00.001-03:00

Not yet a quarter-century old, Lizzano, Italy’s Valerio Cosi has already made a significant stamp on the CD-R circuit. The talented saxophonist’s discography of limited-run mini-albums (from one-sided cassettes to 3” CDs and nearly every other quirky format in between), contributions and compilation tracks number nearly 40 deep with at least eight more reported releases before 2008 shuts its doors for good. And to top it all off, Cosi kicks off his five-year exclusive contract with the burgeoning jazz/experimental imprint Porter Records (Henry Grimes, Rashied Ali, Odeon Pope, Joe Chambers, Byard Lancaster, etc.) with a retrospective of his best tracks over the past three years. Despite the prominence of alto on Collected Works, Cosi’s saxophonic muse is obviously Pharoah Sanders. Like Sanders’ expressionistic tenor, Cosi regularly blends timbral distortions, fiery solos and moody melodies with Eastern atmospheres. And he takes it a few steps further; sitar-and-tabla ragas often act as mood setters as Cosi layers on tribalistic drums, tape manipulations, post-punk bass lines, krautrock synths and, of course, plenty of saxophone. And most importantly – as with Sanders’ late-’60s releases – Cosi understands how to use ostinato to breathe both texture and urgency into his deftly layered home-recorded opuses. The majority of Collected Works is re-mastered material pulled from his Foxglove and Students of Decay releases between 2005 and 2007. The songwriting is surprisingly mature for such a young musician, and he has a talented ear for stratal compositions. The variety of styles presented is also impressive. “I Wanna be Free” (originally entitled “I Wanna be Black”) is a successful attempt to combine the styles of Sanders and Japanese noise artist Maso Yamazaki. Over-modulating drums and korg synth sirens slowly bury tribal percussion rattling and Cosi’s reverberating sax squeals in a throbbing mess of noise. Later, “Lovely Blue Cream” sounds like Archie Shepp (or for a more contemporary comparison, Ken Vandermark) fronting a post-punk band thanks to the incessant fuzz bass line motoring the song. And though “Interstellar Trane” is obviously homage to John Coltrane and Rashied Ali’s duet Interstellar Space, it is much closer to Four Tet remixing an Art Ensemble of Chicago cut. Collected Works is an excellent introduction to the music of Valerio Cosi. He successfully marries the musical ideals of late-’60s/early-’70s cerebral jazz with the aughts’ unceasing love of home-recorded digital psychedelia. Not an easy feat. And at 23, the young Italian’s best work is surely still ahead of him.

DustedMagazine

Valerio Cosi - Collected Works

BODUF SONGS - The Strait Gait

2008-12-04T13:08:00.003-03:00

The Southern Records Latitudes juggernaut thunders into town once more, this time driven by Kranky's very own Boduf Songs, aka Mat Sweet, who for the purposes of this release teams up with a couple of collaborators and strays slightly from his established sonic parameters, venturing into the realms of dark, cinematic drone for first piece ' Please Extract My Teeth With Your Rustiest Pliers (For Redemptive)', whose title is not only massively 'eww' inducing, but commits a grammatical felony at the end, rendering the whole thing a bit uneasy on the eye. Fortunately, it's far more pleasing to the ear, spanning twelve-and-a-half minutes with an absorbing, abstract passage of tonal stasis and screeching bowed cymbals. It's really good stuff, and not the sort of drone work you'd assign to a mere keen amateur. The second piece, 'That Angel Was Fucking Piss' (charmed, I'm sure) brings us back to a more familiar Boduf Songs trajectory, carefully laying out sparse and melancholic acoustic guitar passages, paired with hushed vocals and just a few extra instrumental elements to bolster the mix. Icy glockenspiel tones go some way toward subverting the pervading tone of grimness, and ultimately it all comes across as uplifting and elaborately baroque in its construction. Boomkat

BODUF SONGS - The Strait Gait

Benoît Pioulard and Praveen Sharma - Songs Spun Simla

2008-11-28T17:33:00.002-03:00

It's all in the wires. Praveen Sharma and Thomas Meluch (aka Benoît Pioulard) have met only a handful of times and have never resided in the same city, but over the course of two-plus years they have been quietly assembling Songs Spun Simla, a brief but luminescent collection of pieces driven by Praveen's inventive arrangements and Benoît's lush vocal harmonizing.
Praveen released his remarkable debut Backed by Spirits on the now-defunct Neo Ouija imprint just as Benoît emerged with the Enge EP on Michigan's Moodgadget label in early 2005. Through mutual contacts they found that each was an admirer of the other's work, and the seeds for a casual collaboration were sown. Not long after, Praveen returned from a profound journey through his family's native India with a minidisk full of field recordings and voices, forming the basis of opener "The Tunnel is Still There". As he continued creating new songs with an ever-expanding palette of instruments and digital effects, Benoît arranged lyrics and harmonies, driven by the unfamiliarity and excitement of the process. Various ideas arose concerning the fate of these works, but once a record's worth had been amassed, their friends at Music Related expressed interest in a proper release.
Songs Spun Simla is named in honor of the village in India from which Praveen's family originates - it's inseparable from his musical inspirations yet still distant and shaped largely by memory. His compositions exist on a fitting scale, then; from the stunning, expansive lead-in of "Death as a Man" to the incredibly detailed percussion of "To Scale", there's a sense of worldliness, history and nostalgia placed in a crucible with technology and innovation. Much like a travelogue, the six movements of Songs Spun Simla abut soaring highs with passages of quiet, intimate beauty to create a deeply affecting whole.

Brainwashed

Benoît Pioulard and Praveen Sharma

GAISER - Blank Fade

2008-11-28T15:33:00.004-03:00

2008 has been a landmark year for Minus, celebrating a ten year anniversary. Started by Richie Hawtin as an outlet for his own projects, the label has come to embrace a small, focused clique of like-minded artists who plumb the dark (and sometimes sexy) depths of minimal techno. Being honest, Gaiser’s productions have never grabbed me as much as label mates Heartthrob and False. There’s a subtle, difficult difference between an expertly crafted minimal track, and a boring loop repeated for far too long. Jon Gaiser (don’t the cool ones always have the neatest last names?) certainly had potential, and singles like Egress displayed a knack for funky rhythms, if not the most innovative of evolutionary track structures – a must for anything 4/4 and minimal. Blank Fade sees Gaiser kicking it up a notch, and is one of the best full-length albums under the M-nus label, sitting comfortably alongside False’s techno speedway, 2007. Listening to Fade, it’s apparent that what Gaiser takes in influence from Hawtin is equal parts Hawtin’s own tunneling pieces with incessant bass under his given name (a staple of he majority of M-nus releases), and Plastikman, the dilated master of echoes who has sadly only graced the noughties with one release. Holding out for the next big dark sprawling masterpiece, Blank Fade isn’t quite at the level of something like Plastikman’s Consumed, but it’s a breakthrough full of exciting little caverns of groove and blackness. The killer bass riffs are the meat on the percussion bones here. Ciliate With juggles metronomic synth blips over an eccentrically jolly sub-bass which, I’d imagine, reaches bowel-loosening factor five when unleashed in a live setting. I can imagine a skinny, art-damaged performer with a half-bang of bleached hair that bobs along in time to knob twiddles and “check this out” hand gestures when Ciliate pops on, and that is a fantastic sign. Whether Or Not flips from fluid to crunch; once again, that bass line could be on repeat for an hour and still not have progressed through its full minimalist potential. Only this time the percussion stomps in with handclaps like leaves on a forest floor, uncharacteristically in-your-face. The skinny hep cat just gave a mischievous little smirk before dropping those snare claps. Blank Fade is a surprising smack of hunger, adrenaline, and some kind of high octane that was previously unexpected from Gaiser. Trunkated, the single and standout track, is in fact tiring after its nearly ten-minute in length, but not because of any kind of boredom. No, it’s just that Gaiser won’t let up, and listeners are left to stare at tense white knuckles while the kitchen sink of reverb, phasing, blips bleeps meeps and creeps swims on by. Remember the tunnel of the mind scene in 2001: A Space Odyssey? Gaiser’s pulling the same trick, only the lights are a rhythmic collage of black, white, and electric grays. Words pop in on Fade at odd moments, appearing mostly as deconstructed and effect-washed phonemes. “I think you should take the whole” is the closest I can divine for the eerie voice on Face Down, and as for the whole what exactly, we aren’t meant to know. Rather, the sound of voices is more fodder for the heart palpitations and claustrophobic sweat. Blank Fade is sex in a ventilation shaft, metallic tastes and plumbed depths of disorienting whooshes and bumps. It’s a consistent, driving, and undeniably cool full-length record of minimal techno, a rare and impressive feat. Just try to breathe slowly and through your nose.

themilkfactory

GAISER - Blank Fade

Robert Haigh - Written On Water

2008-11-27T09:36:00.002-03:00

Written on Water consists of eight compositions which unsurprisingly center around piano. The package, in Crouton style, is stylish and atypical, completed with a care and aesthetic to design and presentation: the sleeve is letterpressed and delicately folded with a printed image framed and inserted on the cover. (It's also a hand-numbered edition of only 500.) The variety of each piece suggest to me that these recordings have been collected over a number of years with different ideas and goals in mind. There is something for a lot of different fans of styles however I'm hesitant to say this is a collection which will find the majority of people loving all of.
It opens deceptively with a very Philip Glass school of minimalism composition, the abrasive and rhythmic "Over Land." What follows are tunes which are far more peaceful, introspective, and almost personal sounding. A captivating tune like "Interior Device" wouldn't sound out of place on the United Dairies LP Valentine Out of Season, an album which, after years, I'm still anxious to hear restored from the original master tapes and issued on CD for the first time. The gorgeous "Persistence of Memory" and "New Harmony" sound to me like the most logical evolutionary step from this style, as the arrangement is sparse and each embraces a number of pauses while introducing very few treated sounds to accompany the piano at the forefront. The scale, tonality, and effects on "Persistence of Memory" are reminiscent of some of Harold Budd's works but it clearly is not a copycat piece, as repeated motifs suggest more that it is in touch with a mid 20th century piano style of Erik Satie. In between "Interior Device" and "Persistence of Memory" are two significantly more multitracked but completely different recordings. The title tune is a serene, moody, and cinematic piece while "Ein Form" is a song with abstract loops and counterpoint: here the piano dances with synthetic wind and percussive melodic instrument sounds. Its theme returns with slight alterations as "Eight Form" later on the disc.
Closing the album is the beautiful "Orbits" and an intoxicating unlisted ninth track (only on the physical release), the first of which echoes back to the pastoral sound of songs like "Interior Device," while the last bit almost comes full circle to "Over Land" with its repetitiveness, however it is not nearly as abrasive as the album opener.
I hope this is album is only the beginning of a reintroduction of Robert Haigh, stripped clean of the mechanicalism of his '90s output. While bloggers and bit torrenters enthusiastically share the solo and Sema recordings, I have found the quality to be absolutely dreadful, so with any luck the originals can be located and re-emerge soon as well.
(Brainwashed)

Robert Haigh - Written On Water

LINKS EL CLUB DE LA SERPIENTE

2008-11-26T13:52:00.002-03:00

Van los links del úlltimo programa emitido. Aun nos quedan dos programa más antes de terminar el año y serán una recopilación de lo mejor que ha sonado en el 2008. Gracias por estar.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

Tzolk'in - Haab

2008-11-25T20:08:00.003-03:00

It’s an exotic concoction indeed, combining as it does primal rhythms that spear their way directly to the primitive heart of mankind’s brain, creating a delicious friction between the base appeal of something quite untainted, untamed, and raw, and the fear of the alien and unknown elicited by the same. Even those not entirely aware of the significance of the band name, as well as the album and track titles, would still take from it a glimpse into a world of danger, primitive instincts, and precarious existences lived out against a wild—if brightly-tinted and draped—backdrop, where garish flashes of primary colors burst out amongst the dark leafy greens and woodiness, as if to say that appearances here are deceptive; despite the peacock finery of the some of the creatures here (both animal and human) alongside them comes brutality and unalloyed cruelty. Welcome, indeed, to the heady world of Tzolk’in.

Despite the fact that most of the sounds here are digitally generated, allied to breathy voicings and whisperings in addition to the sounds of alien life, there is an undeniable natural feel to everything, that the emotions and the shivers that freely flow up and down the spine are the result of extracts from the real world, that somehow Tzolk’in have been able to reach back through history and forcibly wrench huge chunks of jungle and historical authenticity into the light of modern scrutiny. Perhaps the premier epitomisation of that comes in the form of the track called “Sotz”, flowing from the deep bass rumblings, breathiness and mournful howlings of unseen and unidentified forest-dwellers, to the loping percussive pattern that eventually breaks out into a heavy rhythmic-industrial engine that impels the whole on a headlong rush, carrying the listener crashing through the undergrowth and greenery. All the while, allied to this, there’s a distinct feeling that this wild careening is a running away, that something massive and generally inimical to the personal health of humanity has got its hungry sights set on the audience.

One of the greatest, and most remarkable, assets about this production was its innate ability to place me right in the middle of the action. I did indeed feel as if I was there, wherever ‘there’ is meant to be, and that I was completely wrapped in an environment constructed from sound and rhythm. Alongside the aforementioned “Sotz,” mention must also be made of “Yaxk’in,” an equally dramatic piece dripping, literally, with hidden disembodied beasties, twilight-garbed forests, and a deeply embedded sense of unseen menace, all propelled along with a meatily gargantuan beat, the very dark heartbeat of the jungle itself. Ensuing from here, and just to round things off, is “Xul,” the brooding intelligence of the rainforest made tangible, a slow circular croaking supported by layers of tribal percussion, moving it forward and giving it substantial weight and menace, pinning us hypnotically in its thousand-yard stare.

Without any doubt, this is one of the better, in addition to being one of the more coherent, amalgams of dark ambient atmospheres, rhythmic and tribal industrial, and intelligent dance music to come my way – the sinister and dark atmospheres are admirably sustained throughout and do so without any let-up – and furthermore each track can be recommended as being of equal quality and interest, with not a duff note between them. Personally, I tend to find that such music generally blurs into one homogeneous whole after a while; and even though there's a definite and discernible aesthetic flavoring these pieces, Tzolk'in introduce enough range and variety to sharpen my attention to stop it from wandering. In other words then, I couldn't have done better than to just sit back and let the liana- and vine-encrusted mystery that is Tzolk’in completely enfold me in its leafy and darkly primitive embrace. Brainwashed

Tzolk'in - Haab

MURCOF: The Versailles Sessions

2008-11-25T18:39:00.003-03:00

Murcof’s music has become increasingly orchestral in recent years. The subtle elegance of his first few releases, built around samples of contemporary classical music encased in fine layers of micro beats has progressively been replaced by altogether much more ambitious and vast forms. For his last album, Cosmos, released last year, Mexican-born Fernando Corona worked with recording of actual acoustic classical instruments which he then worked into vast pieces. The Versailles Sessions is not the follow up to Cosmos as such. In 2007, Fernando Corona was commissioned a series of musical pieces for Les Grandes Eaux Nocturnes, a yearly event which focuses on sound, light and water at the Chateau de Versailles near Paris, once the residence of Louis XIV. For this work, Corona sourced his sound exclusively from seventeenth century baroque instruments, from harpsichord and violin to viola da gamba and flutes. GetSound, the French collective behind the project, hired musicians specialised in baroque music who were asked to play a series of pieces by various baroque composers. These recordings were then pulled apart, dissected and reassembled in the form presented here, following a similar process to the one adopted for Cosmos. Ordinarily grounded in the music of Arvo Pärt, Morton Feldman or György Ligeti, Corona’s work here references to an earlier form of classical music, which originated in Italy at the beginning of the seventeenth century and was very much in fashion during the reign of Louis XIV in France, in the latter part of the century. The contrast between Corona’s stark constructions, not to mention the sheer scale of his music, and the flourishes and exquisite refinement of his sources is at times striking, perhaps never more so than on A Lesson For The Future, Farewell To The Old Ways, which opens with a long evolving drone over which swirls the warm tones of a mezzo soprano. In the latter part of the track, the mood is moved from this thoroughly modern setting back onto more typically baroque ground with a complex part played on a harpsichord, but this section is treated with dense reverbs and filters to pollute its natural purity. On Louis XIV’s Demons, Corona orchestrates a dialogue between voluptuous lines on a viola da gamba and much more ascetic harpsichord tones, but it seems as the recording has, in both cases, been enhanced in such a way that one can feel the frictions of bow and the percussion of the hammers. Elsewhere, the two poles of this particular work are brought together in less confrontational fashion, especially on the magnificent Spring In The Artificial Gardens, where isolated instruments which can be heard floating over the monumental drone which serves as backbone for the piece appear much more integrated to the soundscape. On the opening piece, Welcome To Versailles, solitary flutes breathe painfully through the vast space left almost entirely empty, wouldn’t it be for a regular thump, which provides a primitive rhythm, while plucked violin strings detract the attention away from the growing orchestral drone which develops in the background for a moment. The album concludes with the playful Lully’s “Turquerie” As Interpreted By An Advanced Script. The title itself gives some idea of the scope of the piece, All throughout The Versailles Sessions, the magnificent forms that Fernando Corona introduced on Cosmos also inform the music here, but, placed against the lighter forms of the baroque movement, they appear more restrained, less imposing. Corona combines both genres with ease, and draws some new tonalities from this unusual setting, and while Cosmos represented a massive leap forward, Versailles takes him into yet new grounds. Corona’s work is becoming increasingly complex and fascinating, and this piece shows him at his most versatile and confident yet.

themilkman

MURCOF: The Versailles Sessions

URSULA BOGNER - Recordings 1969 - 1988

2008-11-25T15:55:00.003-03:00

Were it not for a chance meeting between two men on a airplane, more likely than not Ursula Bogner's entire musical oeuvre would have remained forever unheard. One of these men was Jan Jelinek while the other was Sebastian Bogner (Ursula's son), who through the course of some small talk and general chit chat revealed that his mother had spent 20 years dabbling in experimental electronic music unbeknownst to the rest of civilization. Her musical pursuits seem to have been relegated to being a mere hobby, something she would get up to in her spare time at home, tucked away in a makeshift studio. Bogner was a pharmacist by profession and a wife and mother at home, but it seems that there was something of a double life going on, and these fifteen tracks of fascinating experimentation reveal a talent that far exceeds her 'keen amateur' status. You mightn't necessarily think of all these pieces as musical compositions in the strictest sense, but rather sound designs and feats of engineering in the same sort of vein as Raymond Scott, although besides the wild and adventurous sonorities to be found in 'Metazoon' and the like, there are more conventionally structured pieces along the way, such as the comical electroacoustic jaunt 'Begleitung For Tuba' and 'Fur Ulrich' a piece composed for Ursula's husband's birthday. Although not always as overtly musical as her Radiophonic counterparts, it wouldn't be unreasonable to think of Bogner as a hausfrau version of Daphne Oram, or a Deutsch Delia Derbyshire, and her enormous talent deserves to be recognised by the widest possible audience. Sadly, Ursula passed away in 1994 and so never got to witness an electronic musician of Jan Jelinek's prestige celebrating her work. Better late than never though - highly recommended. BoomKat.com

URSULA BOGNER - Recordings 1969 - 1988

Aidan Baker - I Wish Too, To Be Absorbed (brainwashed extract)

2008-11-14T16:30:00.004-03:00

With so much music released in the last eight years, it's not hard to imagine Baker having a diverse amount of rare songs in need of greater exposure. I Wish Too, To Be Absorbed collects MP3 downloads and songs from CD-R albums that I know about only because reliable discographies of Baker's work exist online. Despite the multiplicity of styles and approaches Baker utilizes, both discs flow with a logical and pleasing continuity that suggests a proper album more than a compilation. The track selection and running order have little other rhyme or reason; both discs jump backwards and forwards in time, skipping multiple years in favor of shared aesthetics and natural progressions.
Disc one begins with Baker's first release, Element. "Element #1" serves to establish a mood and does little more than rumble and hiss in a threatening, slightly brooding manner. The tolling of deep, distant bells provides a ritualistic tone that resonates throughout much of the collection. "K" follows this mass of sound and lightens the mood considerably, exhibiting Baker's less intense tendencies. Cello and violin are featured heavily during the first half of the song and it's difficult not to imagine Baker taking some inspiration from bands like Godspeed You Black Emperor!, Labradford, or even Rachel's. In a span of five minutes, the song's theme changes from one of memory and yearning to one of suffering and uncertainty. The strings on "K" disappear and the song resolves into a mess of scraping metal and unidentifiable clatter before ending and moving naturally into "Merge." These are the only two songs on the compilation that were originally featured on the same record, Wound Culture. This release was a book/CDr combo that dealt ostensibly with erotic themes in various forms; if "Element #1" set the tone for this disc, then these two songs add just a hint of sensuality to the record. Each of the following songs, whether they be ten or 20 minutes in length, bare traces of these first three compositions. There are hints of industrial influences on some songs and on others it's hard not to hear Baker incorporating shoegaze and krautrock stylings into his work. Whatever dress the music is wearing, it's always harboring a kind of sensuousness that isn't immediately discernible in all of Baker's music, especially not in Nadja. "Speed of Thought" ends disc one with a kind of jam-piece that sounds partly improvised, but also highly structured. It's perhaps the best song on the entire compilation and it represents a side of Baker's talent with which I am entirely unfamiliar. His pseudo-ambient, pseudo-metal, pseudo-drone projects receive plenty of attention, but this post-rock amalgam of a song has me completely spellbound. Hopefully Baker hasn't abandoned this approach and will be releasing more music like it.
Disc two collects the kind of music that I think must be most associated with Baker's solo output. Each of the five songs are long, abstract pieces with highly cinematic qualities. The focus on disc two is long, rolling sounds, muddy bubbles of synthesizer noise, and slowly developing melody. Both "Melusine" and "Esken (Bonedweller)" are mostly quiet pieces that thrive on minutiae and the mysterious qualities of hazy samples. Though definitely reliant on guitar, both songs are rich with tiny details that I can't imagine an electric guitar producing: there are sputtering motor-boats slowly sinking off foggy shores, foot steps tapping down long, ageless corridors, and gelatinous washes of bass-heavy noise creeping in and out of these songs to great effect. The title track is perhaps the most bizarre of all the songs and features a number of samples and tape loops oddly familiar to my ears. I'm nearly certain that a fraction of Autechre's "VI Scose Poise" (from Confield) is utilized on "I Wish Too, To Be Absorbed." The beginning of the song is laden with cut up, completely disproportionate samples that skip, jump, and skew the ocean of underlying guitars and synthesizers that populate the majority of the track. Bird calls, percussive glass, and mumbled vocals emerge towards the end of the song, but this array of sampling is far less manic than the rhythmic jumble that got the whole thing going. The rest of disc two is a quiet, almost-ambient affair that follows the lead of "Melusine" and "Esken (Bonedweller)."
In a way, I Wish Too... serves two functions: it highlights a number of Baker's musical styles and it functions as two complete and independent records. Both discs have natural peaks and valleys and both discs present a variety of Baker's musical approaches. Though I doubt that this release was meant to serve as an introduction to Baker's solo output, it fills that role perfectly and with a lot of class. I've heard plenty of good compilations and retrospectives before, but I Wish Too... goes above and beyond because it manages not to sound like a collection or retrospective at all. (Brainwashed) (brainwashed extract)

Aidan Baker - I Wish Too, To Be Absorbed

Ezekiel Honig - Surfaces Of A Broken Marching Band

2008-11-14T14:05:00.008-03:00

It's actually something of a surprise that Ezekiel Honig hasn't released something on Anticipate sooner than this, but Surfaces Of A Broken Marching Band does in fact mark the debut outing for the producer on this, the label he runs. Arriving as a follow-up to 2006's Scattered Practices, released on Microcosm Music, this album is conceived as the sound of a band that's been dismantled and put back together again in a different shape, with the smaller, incidental background noises taking up the foreground while the soft patter of dissolved beats seems to drift off into the middle distance. Honig's attention to detail is just staggering over the course of 'Porchside Economics', seemingly filling up acres of space with droves of delicate sonic minutiae all moving around in a carefully choreographed pattern. This is ambient music that brings together the precision engineering of a Biosphere record with the scale and emotional resonance of a Stars Of The Lid release. Elsewhere, 'Displacement' swells with vaporous drones and shuffled piano chords while 'Material Instrument 2' conjures an incredibly vivid sense of location thanks to some lively field recordings, all leant an extra gravitas by an evocative and impressionistic use of digital manipulation and submerged tones. It's hard to put your finger on exactly what makes Surfaces Of A Broken Marching Band such a freakishly good ambient record, but its success must be at least partly attributable to the immersive depth of Honig's ornate production style. Brilliant, and the sort of record you could recommend to just about anyone with an interest in electronic music... (Boomkat)

Ezekiel Honig - Surfaces Of A Broken Marching Band

Fennesz - Black Sea

2008-11-13T19:12:00.007-03:00

(extraído de hipersonica)

El próximo 24 de noviembre viviremos el regreso del austriaco Christian Fennesz, que vuelve de su retiro después de más de cuatro años sin dar señales de vida musicales en formato disco. Black Sea es el nombre de su regreso, una obra que, según el propio artista ha sido creada con “guitarras acústicas y eléctricas, sintetizadores, ordenadores, electrónica de todo tipo y aparatos de improvisación de loops en directo. Aunque a lo largo de este tiempo han sido varios los discos que recogían varias actuaciones en concierto de Fennesz, Black Sea será su primer trabajo desde Venice, el disco que tuvo la difícil tarea de suceder al grandísimo Endless Summer, la obra maestra del austriaco y uno de esos álbumes que te quitan la cera de los oídos y que te hacen darte cuenta de que hay cosas que nunca te has planteado que podrían gustarte que sí lo hacen. El disco tendrá en cd dos canciones más que en vinilo (supongo que por duración y no por estrategia, ya que sería muy raro en los tiempos que corren defender el cd, aunque cualquiera sabe) y ya hemos podido escuchar algún tema.Por ejemplo, ahí está esa ‘Saffron Revolution, donde sigue la pasión por las atmósferas licuadas de My Bloody Valentine para no tardar en darse un paseo por la distorsión pura y dura, el ruido blanco y la electrónica más experimental. Fennesz parece en buena forma, no hay duda. La foto de la portada del disco es un impresionante paisaje por Jon Wozencroft.

El tracklist de la versión cd es el siguiente:

01 Black Sea
02 The Colour of Three
03 Perfume for Winter
04 Grey Scale
05 Glide
06 Glass Ceiling
07 Vacuum
08 Saffron Revolution

Mar Negro y Cristian

LINKS EL CLUB DE LA SERPIENTE

2008-11-12T10:32:00.002-03:00

El programa sigue su curso natural. Zigzagueante y efímero en el aire desértico de esta ciudad. Venter y yo seguimos sonando y bebiendo y escuchando.

El problema es la desidia, el desencuentro con el teclado, la ausencia primordial de nuestros dedos y nuestros ojos.

Y bueno, entre tanto cansancio de fin año que nos muerde los huesos, entre posibilidades y quizáses, me decidí a postear un programa, el último.

Aislado y encendido como una fogata en plena montaña.

Ahí va. A ver que les parece.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

The Caretaker - Persistent Repetition of Phrases

2008-10-30T16:02:00.009-03:00

The Caretaker es un proyecto musical de de James Kirby, músico y diseñador nacido en 1974, mas conocido por su proyecto infame V/VM, que predomina más por la provocación total que por la calidad en sí misma. Kirby poseé una infinidad de lanzamientos y utilización de pseudónimos, pero The Caretaker sin lugar a dudas es el que alcanzó mayor respeto y aceptación por parte de la crítica ultra especializada. Kirby es el alma mater del sello V/Vm Test Records (en su sitio encontrarán mucha información y acceso a varias descargas gratuitas). En 2008, además de sacar su Persistent Repetition of Phrases con el pseudónimo de The Caretaker, Kirby también lanzó el álbum Bleaklow con su otra cara esquizoide denominada The Stranger, donde el sonido es mucho más agresivo y pleno de oscuridad. La forma de componer The Caretaker es muy simple: utiliza drones, loops y samples extraídos de vinilos antiquisimos y juega con la superposición de ruidos y pedazos instrumentales donde estos siempre aparecen lejanos, remotos, imperceptibles, tal vez irreconocibles, como recuerdos vagos de algo que no se distingue jamás. The Caretaker en realidad hace una especie de Performance de la Memoria colectiva. El propio nombre Caretaker algo así como el cuidador, nos otorga una ayuda para entender el sentido del proyecto, donde su papel es la de preservar algo que aparentemente fue perdido. Y si recordamos trabajos anteriores veremos por donde viene la cosa, con trabajos como Deleted Scenes, Forgotten Dreams y Recollected Memories From the Museum of Garden History. Los nombres de los traces delimitan más el sendero a recorrer o recordar con nombres referidos a la pérdida de la memorias, enfermedades terminales degenerativas del cerebro, etc. El disco toma como alma mater la pérdida de la memoria reuniendo pequeños fragmentos a través de una repetición infinita de loops, tape hiss, drones y músicas antiguas totalmente olvidadas para el común de los seres vivientes. Usando la recontextualización, dislocamiento de loops y la imersión total en los drones intenta preservar lo que queda de memoria que de a poco desaparece y que al fin de cuenta es lo que nos mantiene como humanos socializados. Haciendo uso de Arquetipos que muchas veces se resisten a desaparecer totalmente de los que sufren la enfermedad de Alzheimer. The Caretaker, en su “Persistent Repetition of Phrases” realiza una especie de experimento cintífico en los recónditos cantos de la mente que hacen la función de protección y de homeostásis. Reforzando la idea de repetición persistente aparece la noción de Eco, como un sonido que en los inicios puede ser espectral, luego remoto y finalmente otorga tranquilidad por la aparente seguridad de creer conocer lo que se está repitiendo. Para escuchar cabalmente el disco es necesario mirar a nuestro abismo interior donde el sonido reverbera desde la creación infinita de un símbolo que no sabemos donde comienza y donde terminará o tal vez es la sensación de percibir el infinito oscuro e insondable. El abismo que está por debajo de The Caretaker, está cuebierto de música encontrada en el recuerdo perdido(amnésia), o en la demencia senil(mal de Alzheimer), o en experiencias de regresiones a vidas pasadas. Un eco inmaterial e impotente. Persistent Repetition of Phrases es cautivante porque trabaja con melodías que vienen del inconsciente colectivo, susurros llenos de contenido hermético.

The Caretaker - Persistent Repetition of Phrases

The Fun Years - Life-Sized Psychoses

2008-10-29T10:41:00.003-03:00

La vida del tamaño de la psicosis fué el excelente debut de los Fun Years en el año 2007.
Estos norteamericanos me han caído muy bien, demasiado y bienvenidos, son Isaac Sparks (todo tipo de efectos y ruiditos que nos gustan) y Ben Recht (guitarras cuasi ambientales y a veces no parecen una guitarra) . Este dúo crea increíbles ambientes ambiguos, oscuros, eclipsados, donde pareciera que han bebido y superado la calidad de Fennesz, The Gentlemen Losers, Machinefabriek y Philip Jeck. Los muchacos quizás se encierran en un establo en medio de la desolación inhabitada del desierto o del ártico y se dedican como científicos a improvisar los sonidos que están del otro lado de lo material, tocan con el espíritu de los objetos. Nada está libre de ondas sonoras y los chicos de Fun Years le sacan sonidos hasta las montañas cansinas de mantener la misma figura secular.
Como cuando Huxley percibia que los cuadros tomaban vida, los F Y convierten todo lo inmaterial en vida sonoro.
Atrapados en la nostalgia de la perfección cuasi académica logran la escencia del hielo, bucles infinitos donde una vez procesado por el cerebro adquiere todo forma tangible.
Un disco para disfrutarlo sin ningún estímulo exterior, sólo hace el efecto hipnótico.

The Fun Years - Life-Sized Psychoses

Primer MegaPost Ruidos

2008-10-28T16:22:00.017-03:00

Amigos de Subsidio y El Club de La Serpiente les obsequiamos un megapost de trabajos difíciles de hallar en la virtualidad o mejor expresado fáciles de ubicar pero que difícilmente los busques.
Muchos Drones, poca info, pero la info en sí es la música. Así que todos felices.

Home Listening / Modern Classical

Amplifier Machine - Her Mouth Is An Outlaw 2008

Psico / Drone / Metal

Since their emergence in 2007 from the wilds of Northern California as Starving Weirdos, the duo of Brian Pyle and Merrick McKinlay have been one of the experimental underground’s most consistent (and consistently undervalued) entities. A seemingly bottomless stock of recordings and, more importantly, an unerring hand with editing and arranging, mean that their discography, large though it may be, is full of highlights. This solo debut by Pyle, sharing everything the Weirdos do well, is another one.

The Weirdos’ music is successful because it occupies many moods and many perspectives on sound-shaping. It is just as evocative of harsh industrial landscapes as it is of awe-inspiring natural scenes. It could be classic studio electronica (think Stockhausen’s "Kontake") or modern-day DIY drone and noise. It harnesses dissonance like avant-garde chamber music for strings and explodes with dense energy like the best free jazz.

Because their music gives off such disparate interpretations, it’s easy to think of their finished pieces as intuitive, but they are too well-balanced and paced to not be designed. And, in another similarity to electronic composers, this is exactly how the duo works: amassing huge sound libraries, then assembling, editing and transforming later. Pyle’s sound arsenal might be sightly more stripped down than the Weirdos – limited mostly to bowed metal, distorted guitars and miniature percussion – but he delves even deeper into trance-inducing repetition and dissonant harmony. The title track is a study in mannered, tension-building pacing. On "Mud Banks Shine in Broken Shards," Pyle produces a broad, fearsome chord, a sustained burn of reeds and sizzling, extended high-frequency tones. Balancing out all the drone and drift are three brief rhythmic interludes that not only quicken the record’s pace, but suggest some promising new directions for the Weirdos.

Pyle is very good at blurring the origins of his sounds just enough so that his music does the only thing that really matters with music that aspires to mind-altering status – it evokes a palpable sense of the unknown. The percussion that keeps "In Each Cracked Shell There Is Restless Time" in constant motion could be a field recording of (some natural process), a single percussive texture chopped-up, sampled and sequenced, or a whole a chorus of drummers. The point is, you never know. "Fire," with its long stretches of fire recordings creating a crackling, very alive background, is a bit more obvious, but it gives a glimpse of how Pyle hears, how he finds patterns in random events and foregrounds them until they have their own bold presence.

So, At the Foot of Nameless Roads is another winner for the Weirdos camp, but is releasing consistently good records enough? Where is the record that really blows the top of your head off? What could a piece like "Light Reflects as Seagulls Dive" become? There are real possibilities lurking inside it, but it’s brief running time means it remains only suggestive. This is perhaps the real problem with the very prolific, genuinely creative artists – like the Weirdos – working in the underground today: Intriguing ideas appear continually, but the music always seems to stay in the realm of the possible, always becoming and never being. So, by releasing so much music, are acts like the Weirdos working against themselves, putting process over a more refined final statement? McKinlay, and especially Pyle here, do better than most at maintaining an engaging, exciting level of quality. But can they maintain that level, or even push it higher?

By Matthew Wuethrich

Ensemble Economique - At The Foot Of Nameless Roads (2008)

Drone / Home Listening / Modern Classical
'Krautrock' and 'kosmische muisk' have to be the two most overused phrases in any press release or review currently circulating in the field of electronic music or avant-rock. Perhaps more than ever before, everyone wants to sound like Harmonia, Cluster, Neu! Or Can. Inevitably, a Kranky artist is bound to occupy the more abstract, drone-based end of that current trend, and Joseph Raglani fits that bill. There's a high fidelity crispness to all this that's comparable to more contemporary acts, and you might hear the luminescent synth tones of Emeralds, or even the carefully tweaked analogue signals of a Keith Fullerton Whitman outing in the likes of 'Rivers In'. Taking a more full-blooded electroacoustic slant, 'The Promise Of Wood And Water' combines oscillator discord with flurries of processed acoustic guitar, capturing Raglani's music at its most detailed and developed. But it's not all so... civilised. 'Washed Ashore' is an exemplary analogue noise workout, not dissimilar to the sort of thing heard on the Merzbow/Jim O'Rourke/Carlos Giffoni triple header, Electric Dress. Highly recommended.

Raglani - Of Sirens Born (2008)

Psico / Drone / Metal / Modern Classical
Italian saxophonist and electroacoustic performer Valerio Cosi releases Heavy Electronic Pacific Rock as his first proper CD outing and by far the most widely available recording in his catalogue to date. The twenty-minute opening piece - titled 'Study For Saxophone And Electronics (Dedicated To Roberto Donnini)' - is especially arresting, layering and repeating saxophone phrases in its early stages, rendering Cosi as a one-man Philip Glass. After four minutes or so, the layers fall away to reveal a single slowed-down sax phrase, on top of which synth drones begin to amass, leading up to loosened up, miasmic soloing sounds that eventually consume themselves in a wash of noise and spoken recordings. It's an awesome piece of work and the remainder of the disc doesn't quite manage to hit the same highs, although the three pieces are still of a very high standard, each trying out new sonic configurations, whether the sustained tensions of 'A New Vipassana' or the atmospheric motorik rhythms of the (at least partially) self-explanatory 'Proud (To Be A Kraut)/A Burning OM: Reprise'. The final piece, whimsically titled 'North Pole Vibes' pairs a free-roaming lead sax with a bed of droning electronic permafrost. It's one of those rare instances in which avant-garde, microsound style composition combines with fluent musicianship without either element suffering, and it provides a fitting summary of what makes this hugely impressive album so outstanding. Boomkat

Valerio Cosi - Heavy Electronic Pacific Loop (2008)

Psico / Drone / Metal
The dark lords of doom are back, make no mistake and this time they have taken their sound even further into the annals of religious history performing in an old church in the Norwegian city of Bergen. Yep, the black metal new boys have gone back to the genre's spiritual home to show the locals that Americans can be just as dark as their Nordic compatriots, and in the hometown of Varg Vikernes, they're some locals. O'Malley and Anderson aren't on their own though, they come with a posse of collaborators, most notably Mayhem's Attila Csihar (adding theatrical vocals) and Norwegian noise God Lasse Marhaug but it's regular earth collaborator Steve Moore who really makes his presence known taking control of the church's mammoth organ. The opening track 'Why does thou hide thyself in clouds?' makes best use of this with the sweltering tones echoing through the thousand-year-old walls as Csihar utters his Satanic prose. It might not be quite the Sunn O))) we're used to, but this is a suitably theatrical introduction to an ambitious collection of tracks. From here we move back into familiar territory however, with the church acting as a giant resonator for the band's bass drones and noisy flourishes; the half-heard orchestral drone of 'Cannon', the giant throb of 'Cymatics' and the heady tidal wave of 'Masks The Aetmospheres'. Sure it might not show the band taking giant leaps in terms of sound, but there's simply nobody else out there nailing the drone sound quite like Sunn O))), and to hear them making this sacrifice to their Norwegian forebears is a grim pleasure from beginning to end. Apparently the record is going to be released on vinyl only, and past the initial pressing is never going to be reissued, so if you want one of these you'd better be quick, like everything Sunn O))) related it's not going to be around for long! Boomkat

Sunn O))) - Domkirke

Home Listening / Modern Classical

This Fantasma Parastasie sees Canadian musicians Tim Hecker and Aidan Baker fuse together in a constantly shifting surge punctuated throughout with barks, growls and excited panting in the dark from Hecker’s seemingly endless store of electronic distortions and Baker’s fractured instrumentation, which ambles to the rhythm of madness, joy and sheer exultation.

Phantom On A Pedestal supplies the first rumble of revolutionary thunder, opening with an astonishing array of guttural squeaks, burps, groans, and gasps: what sounds like their very souls were straining to burst free. With each successive segment, the piece only grows in its punishing density, and the tightly orchestrated workouts for desiccated and freeform guitar stabs and highly charged electronic thrusting positively ripples with psychosexual undercurrents.

What follows generally carries on and develops these orientations, but isn’t quite as assaultive. Instead, they are fleeter, and more musically diverse. Many of the remaining seven movements ping and eddy with bursts of static, hiss and crunch that slowly disperse themselves and are largely deployed with a sensitive hand and a general feeling of concern for the listener. Now and again, Baker even navigates an arco melody through Hecker’s granular harmonic shoals, further impressing the dynamic and emotional range of these works.

A crisp articulation of attack thereby manages to steer these movements safely through several disparate ports of call. Small wonder, as the materials germinate in the soil, not the screen; in a face to face encounter marked by a consummate reciprocity which inserts these two individual players into a shared operation of which neither is the clear creator. As though something were therefore at stake, the two elicit exciting, edgy performances that never call on all their resources, but always give off the impression that more is hiding away. http://www.themilkfactory.co.uk

Aidan Baker & Tim Hecker - Fantasma-Parastasie

The fun years - baby, it's cold inside (extraído de loop.cl)

2008-10-24T15:10:00.005-03:00

Nota de Loop.cl

The Fun Years se formó en 2005 por Isaac Sparks (torna mesas) y Ben Recht (guitarra).
Desde entonces han editado cinco CD-R’s. Barge Recordings editó su primer álbum “Life-Sized Psychoses” en 2007 y ese mismo año incluyó un tema del dúo en el compilado ‘Innature”.
Recientemente se publicó su Segundo album “Baby, It's Cold Inside” que es una mezcla de gruesas capas de consistentes en sucios ruidos de siseos, pedazos de sonido tomados de disco viejos y baratos, guitarras apacibles, procesamiento análogo y drones.
Las inquietantes atmósferas producen una experiencia cinemática y tonos vacilantes.
www.bargerecordings.com y www.thefunyears.com

Coméntanos si hay alguna relación entre el título del álbum y la música.“Nuestros títulos son siempre bastante aleatorios. Normalmente utilizamos cualquier palabra que suene ridícula cuando necesitamos titular un tema. Por lo que no, usualmente no hay ninguna relación entre los títulos y la música, pero el oyente puede hacer cualquier conexión que él o ella quiera”.El ruido de la superficie del vinilo es una suerte de áspero sonido y al mismo tiempo tan real, como un viejo objeto, con alguna historia detrás, no es evidente por lo que tienes que mirar, a fin de saber lo que está pasando. Lo que estoy tratando de preguntarte si estos sonidos ásperos y sucios tienen un significado especial en vuestra música."Nos gustan los discos oscuros. Sin embargo, como ninguno de nosotros desea gastar más dinero en discos, tendemos a seleccionar al azar aquellos de tiendas económicas o del mercado de las pulgas. Cuando estás buscando los más baratos, es muy probable que sus anteriores dueños no los cuidaran bien y terminamos con sonidos de vinilo algo sucios”.

¿Hay algún criterio especial en la selección de los vinilos que ustedes usan para hacer “Baby, It's Cold Inside”?

“Básicamente usamos los que podemos conseguir. Todavía estamos entusiasmados porque podemos encontrar en tiendas baratas. Mientras encontremos viejos y sorprendentes vinilos, tendremos bastante material para trabajar.
Simplemente intentamos encontrar una buena cantidad de discos por la menor cantidad de dinero posible. Con cualquier tipo disco uno conoce sellos y artistas, pero Isaac (Sparks) le gusta pensar que cada disco que encontramos puede potencialmente tener algo útil para ocupar, aunque sea solo pedazos de sonidos entre éstos”.

¿Tienen proyectos paralelos?

“Ben (Recht) toca en una banda de art metal que se llama ‘Assault Lick’. Él también ha sacado discs en el pasado bajo el nombre de ‘Local Fields’. Isaac toca en en l grupo VCRcore ‘The Maybe Pile’”.

Guillermo Escudero
Agosto 2008

The fun years - baby, it's cold inside

Dark Captain Light Captain - Miracle Kicker

2008-10-22T18:07:00.004-03:00

Los Dark Captain Light Captain vienen envueltos en un manto de psicodelia lleno de melodías dulzonas y un tanto oscuras. Mucha guitarra indie y una electrónica lejana los acompañan por todo el Miracle Kicker.

Según ellos hacen ‘Experimental/Folk/Lounge’. Impulsados por la búsqueda del asesino de la armonía vocal que hará sonar los corazones más de los normal. Medio femenino?. Si la verdad que sí. Pero todos estamos hechos casi de un fifty-fifty masculino femenino. Por lo que no nos tiene que dar gracia ni miedo, ni alegría. Así lo quiso alguien, más allá de los satélites espias y de los ovnis que se rien mirando como los miran ojos asustados desde radares que por momentos no los pueden ver. Así es. Un día podremos amanecer y de repente tener las voces que tienen los muchachos de Dark Captain o tal vez de Light Captain y decir para nuestros adentros y profundidades inconscientes, tendremos algo de hermafrodita?.

Suena agradable de fondo, como un jardín detrás de una parrilla completa de pedacitos de animalitos listos para masticar.

Tracklist:
1.Jealous Enemies
2.Parallel Bars
3.Circles
4.Remote View
5.Questions
6.Robot Command Centre
7.Speak
8.Spontaneous Combustion
9.Everyone We Know
10.Miracle Kicker

Dark Captain Light Captain - Miracle Kicker

CHRIS DOOKS - The Aesthetic Animals Album

2008-10-22T12:39:00.005-03:00

Chris Dooks es el más extraño y esquivo animal del mundo.
The Aesthetic Animals Album es un libro de cuentos para niños arrugados y distorsionados, donde Dooks se baña en alcohol y nos pinta un mundo surrealista donde en sus historias vaporosas y adictivas nos cruzamos con pinguinos, cisnes, salmones, coloridas salamandras, perros abducidos por un un celular, aves de paraíso matinal, manatíes encerrados en un laberitno perpetuo, infinito, de caída.
Parecieran canciones populares misturadas con surrealismo puro.
La voz tan de Lord Inglés (en realidad escocés) y su guitarra mínima nos hará esbozar miles de sonrisas mientras tarearamos sus hipnóticas ascensiones abstractas.
Un trabajo para no dejar durantes décadas.

Track:
01 The Swan
02 The Penguin
03 The Mouse
04 The Dog
05 The Human Male
06 The Salmon
07 The Salamander
08 The Finch
09 The Fox
10 The Manatee (Short Story)

CHRIS DOOKS - The Aesthetic Animals Album

COLOR CASSETTE - Small Town Smoker

2008-10-22T10:16:00.002-03:00

Ocho composiciones minimalistas o miniaturas para visualización creativa. Todas las fuerzan giran sobre el santo ocho según el Tarot y la Kabala. El infinito y la quietud mental. Detonantes para adivinar lo que hay detrás de cada entidad financiera. Seguramente no hay nada y todos pensamos que ellos nos dan tranquilidad.
Color Cassette juegan con Click`n´cut, algo de Glitch delicado, una pizca de drones dulzones y reminiscencias de Mum y The Remote Viewer.
Usan muchos instrumentos acústicos (guitarras acústicas, Glockenspiel, etc) mezclados con micro beats de crepitar delicadisimos y muchos susurros electrónicos generando ambientes de relajación "UP".
Detestamos los libros de auto ayuda, el new age decadente y moribundo, pero cuando la electrónica hace el papel de psicologo y psiquiatra, bienvenido sea.

Track:
CD1
01-Acrost Ponds
02-Tell-Tale In Two Parts
03-Candles In Car View
04-Cassiamonopia

CD2
01-Mosquito Winter
02-Salt Water Train
03-Silencing Cities
04-Passing Time Too

COLOR CASSETTE - Small Town Smoker

Benoit Pioulard - Temper

2008-10-21T16:40:00.004-03:00

Aunque casi todas las letras son casi inaudibles y difíciles de percibir, a pesar que Benoit Pioulard es sólo un seudónimo, en este juego hay mucho sentido. Encubierto en capas de tranquilidad se encuentra la espesa complejidad. Las capas de suceden una tras otra, se convierten en una metamorfosis amplia donde los resultados son maravillosos.
Temper (Temperamento) difiere muy poco del trabajo anterior Precis, de Pioulard o de Thomas Meluch (la cosmética oculta detrás del personaje real), antes que nada en el frente de batalla la guitarra acústica, varias pistas procesadas en la retaguardia, en el aire drones que vuelan sin significado aparente pero casi imperceptibles, melosos, y por todo el campo la voz de Pioulard como cansada, sufrida, con ganas de más.
Todos los temas se caracterizan por la brevedad. Temper no es ménos que Precis ni viceversa, pero si hay diferentes telas abarcativas donde lo simbólico mutó de una obra a la otra.
Y una de las diferencias es que temper realizó un soplo sobre la neblina espesa que cubría a Precis, dándole un toque de soltura.
La extraña voz de Meluch junto con las atmósferas musicales generan ambientes sublimes donde ante la escucha no aparecen trabas para viajar de la mano de él.

Track:
1. Ragged Tint
2. Ahn
3. Sweep Generator
4. Golden Grin
5. The Loom Pedal
6. Ardoise
7. Physic
8. Modele O Eclat
9. Idyll
10. Brown Bess
11. Cycle Disparassiant
12. A Woolgathering Exodus
13. Detruisons Tout
14. Loupe
15. Tapyre
16. Hesperus

Benoit Pioulard - Temper

BIRD SHOW - Untitled

2008-10-21T15:37:00.005-03:00

Llegó el tercer trabajo de Bird Show de modo inominable. Sin forma de nombrarlos a no ser por el contenido lisérgico o por el trabajo real que se encuentra dentro de lo ajeno. Bird Show es Aka Ben Vida y ya viene de hacer en años anteriores dos trabajos muy recomendables como Lightning Ghost y Green Inferno. El inominable es de neto corte instrumental y hace rememorar a diferentes rituales de iniciación donde al chamán poco a poco lo van haciendo entrar en trance para pasar a etapas avanzadas de voladura mental e espiritual. En algunos momentos me caen destellos de los Door probando todo lo que creciera por el desierto y encontrando el mensaje, el sonido del más allá, que siempre tienen un contenido imponente, como si existiese realmente un Dios más o ménos loco que quiere pasarnos sus recetas de providencia. Y si vemos la portada del disco ya nos encontramos con gran parte de los instrumentos que tomaran vida en las manos mágicas de Ben Vida. El grandioso Berimbau un especie de arco hecho con una planta brasilera que después de tomar ayahuasca no podes dejar de tocarlo como enajenado por la naturaleza verde y al ritmo de la capoeira. La Mbira un instrumento africano con lenguetas de metal adheridas al resonador que generan melodías hipnóticas. Flautas de madera que no hace avizorar algún indio emponchado en alguna cordillera oculta.
Hay mucho de Field recording ( o grabaciones de campo o naturaleza) y casi todo bañado por música étnica de los más remotos confines del mundo No Civilizado o de un ambiente cuasi tribal.
Pero todo esto no los confunda con algo New Age, ya que Aka Ben Vida colocó todo en una licuadora sideral donde las teclas de on sólo dicen Experimental.
Muy recomendado por el staff de Subsisio y el Club de la serpiente.
A disfrutarlo abajo.

Track:

1. BIRD SHOW : Two Organs and Dumbek

2. BIRD SHOW : Clouds and their Shadows

3. BIRD SHOW : BRDDRMS

4. BIRD SHOW : Synthesizer Solo

5. BIRD SHOW : Mbira, Harp and Voice

6. BIRD SHOW : Green Vines

7. BIRD SHOW : Percussion and Voice

8. BIRD SHOW : Pan Pipe Ensemble and Voice

9. BIRD SHOW : Berimbau

10. BIRD SHOW : Wooden Flute, Berimbau, Mbira and Voice

BIRD SHOW - Untitled

KOEN HOLTKAMP - Field Rituals

2008-10-10T15:59:00.006-03:00

El tan esperado trabajo de KOEN HOLTKAMP a conocido la luz al fin. Este Field Ritual viene con una particular utilización de drones que alcanzan una especial belleza.
Es un especialista en todo lo referido a "field recordings" (técnicas para la captación visual de sonidos del medio ambiente), no cae en el purismo extremo de Chris Watson pero tampoco en la repetición que vienen haciendo varios personajes, donde todo termina siendo un tanto circense y sin contenido interpretable.
Experimenta con sonidos de paisajes familiares y afina el esfuerzo de composición recalcando por sobre todo la sencillez, donde tiñe los paisajes acústicos con gran fuerza emotiva.
Y lo que caracteriza a KOEN HOLTKAMP con sus field recordings es la delicadeza especial con que nos llega a los oídos. Donde la lentitud es fundamental para la asimilación.

KOEN HOLTKAMP - Field Rituals

Windy & Carl - Songs For The Broken Hearted

2008-10-10T10:18:00.008-03:00

Windy & Carl (Windy Weber y Carl Hultgren) es una pareja sumamente prolífica que viene de la mano desde la década del 90 encerrados en su estudio de Michigan donde han publicado más de 25 discos de neto corte experimental.
Songs For The Broken Hearted trata básicamente del amor, de sus vuelteretas y desequilibrios, sus caídas estrepitosas, sus penetraciones en lo paranormal, las pérdidas suicidas, vida/muerte.
Juguetean con los drones de un modo cinemático.
Junto con los Stars of the Lids son los abanderados por afano de sello Kranky donde dan clases de drones, shoegaze clásico y moderno.
Songs For The Broken Hearted tiene todo lo recomendado para ser un trabajo hipnótico de esos que te siguen durante los fines de semana encerrado en el inconsicente.
Presencias fantasmales aparecen en las voces a lo largo de todo el trabajo donde el manejo de acordes y capas se torna cautivante.
Trabajo altamente recomendable para los aficionados Space Rock/Post Rock del más alto nivel del 2008.

Windy & Carl - Songs For The Broken Hearted

EL CLUBDE LA SERPIENTE | LINKS

2008-09-24T09:59:00.002-03:00

Aquí los links del programa. Disculpen la inconstancia.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

Spyweirdos - Wetsound Orchestra

2008-09-10T14:05:00.008-03:00

Enorme operación de Spyweirdos.
Pero quién, qué, cómo han generado el error perfecto?
Por detrás de Spyweirdos nos encontramos con el griego Spyros Polychronopoulos, interesante nombre, contados son los griegos. El camino programado por Spyros es un fantástico mundo de clicks, drones, abstracción y glitches. Se coloca violentamente la capa traslúcida diseñada específicamente con Glitches super testeados por el departamento de control de calidad y comienza a mostrarnos el verdadero esplendor de las fallas electrónicas, los defectos del 0 y 1 pre fabricados en códigos encerrados en el espacio mental (soft mind), ese ambiente donde todo sonido resbala, se desliza, cae adicto a un estado epiléptico terminal, donde los temblores del cuerpo se trasladan a la máquina y de ella al contexto. La belleza aparece detrás del error electrónico u mecánico. Los sentimientos se deforman en imágenes superpuestas a velocidades entrecortadas, donde la cámara lenta, la foto estática y la caída en un agujero negro eterno y succionador se unen en la misma función errónea.
Wetsound Orchestra comienza con Cellar donde algo o alguien gotea de un modo muy particular y en algún momento genera descarga o corto circuito y la repetición genera el ritmo, el proceso de hipnotizar al oyente con descargas fallidas es la demostración de todo lo que está por venir, de que el quiebre de nuestra realidad es factible, es posible, el caos tiene el orden de la melodía.
La micro electrónica ultra pesada se mistura con el clásico moderno generando momentos de extasis.
Los estallidos que aparecen repentinamente para desequilibrar el flujo existente generan un efecto tranquilizador, donde toda la aparente oscuridad que hay en la obra brilla en todos sus bordes.
Fallen es otro momento importante del trabajo de Spyweirdos donde generan todo un ambiente opresivo donde la tensión generada estira todo la música como si fuese una pelicula épica, donde la guerra está por estallar a la vuelta de la esquina más proxima de nuestro inconsciente arquetípico.
A Polychronopoulos le encanta jugar con samples extraídos, exprimidos, abducidos de la T.V., de la radio, del cine y los manipula como un brujo o alquimista dentro de sus estudio, donde las chispas y destellos iluminan todo lo que va tocando.
Va cortando todo en fetas, como el mejor fiambrero del barrio bajo y cada trozo distorsiona el mensaje original de donde fué extraído.
En "Innsbruck" nos quedá claro que Wetsound Orchestra es un experimento siniestro, donde el genio loco está trabajando enconadamente en su la laboratorio subterraneo, tubos y túneles que vienen de la realidad exterior traen contenidos a procesar en la máquina fallida, y el traqueteo incesante del metal, junto con un buen lubricante nos muestra el verdadero significado de estos sabios del más erroneo Dios jamas ideado por la mente enfermiza de Lovecraft.
Otro punto importante en este Wetsound Orchestra es que fué totalemente producido y masterizado por Murcof.
Spyweirdos es la llave para poder conocer nuevas facetas de la música partida en los dos hemisferios cerebrales.

Tracklisting:


1-01		Cellar (4:57)
1-02		Already Happened Tomorrow (6:06)
1-03		3.5 Ec (6:17)
1-04		Portal (5:16)
1-05		Fallen (3:59)
1-06		Bubble Of Dreams (5:16)
1-07		U (3:04)
1-08		The Key (6:26)
1-09		Innsbruck (5:45)
1-10		Should Be A Spell (5:12)

Spyweirdos - Wetsound Orchestra

Remixes
2-01		Wiesbaden (Already Happened Tomorrow) (Schwarzer Bock Mix) (5:12)
		Remix - Alva Noto
2-02		The Key (Gyro-Gyro Remix) (4:04)
		Remix - Gyro-Gyro
2-03		Innsbruck (Traject Remix) (7:59)
		Remix - Traject
2-04		3.5 Ec (Mad EP Basso Savant Remix) (4:00)
		Human Beatbox - Bryce Beverlin II Remix - Mad EP
2-05		U (B. Fleischmann Remix) (5:47)
		Remix - B. Fleischmann
2-06		The Key (Funckarma Remix) (4:29)
		Remix - Funckarma
2-07		Should Be A Spell (Peekay Tayloh Remix) (3:52)
		Remix - Peekay Tayloh
2-08		Cellar (Octex Remix) (5:05)
		Remix - Octex
2-09		The Key (Ollie Olsen Remix) (5:01)
		Remix - Ollie Olsen
2-10		Cellar (Horchata Remix) (6:53)
		Remix - Horchata

Spyweirdos - Wetsound Orchestra Remixes

Tomasz Bednarczyk - Summer Feelings

2008-09-03T17:59:00.003-03:00

Tomasz Bednarczyk es el típico compositor ambient con mucha formación clásica por detrás, con una serie de recuerdos históricos que vienen interiorizados y sujetados por vagones de aprendizaje forzado en el buen gusto. La escritura que confecciona con sus melodias traen una fortísima resonancia emocional donde el piano transforma todo en etérea transportación. Todos los sueños de verano se transforman en un cocktail hipnótico que no permite distraerse en otro menester. Por otro lado y esto es al margen, pero asombra que este polaquito solo tenga 22 años, pareciera un íntimo amigo de Brian Eno y Harold Budd juntandose hace 30 años para experimentar con las maquinitas primitivas.

Tomasz Bednarczyk - Summer Feelings

Evan Bartholomew - Secret Entries Into Darkness

2008-09-02T18:13:00.003-03:00

Evan Bartholomew continúa con su descenso meditativo a través de entradas secretas en la oscuridad. Con su particular estilo ambient de subsuelo podemos interiorizarnos en los mitos de Cthulhu y escuchar todo este Secret Entries Into Darkness deleitandonos con la lectura completa de Lovecraft. En su viaje hipnótico que fluye de manera extraña, Bartholomew perfecciona su arte de revelar su alma al oyente con la música propuesta. La gravedad e intensidad de la emoción es inmediata y pesada; para cuando el álbum termina, nos dejan solos y desamparados, en el fondo del vacío, para nacer solamente otra vez.

Evan Bartholomew - Secret Entries Into Darkness

Giuseppe Ielasi - Stunt

2008-09-02T15:41:00.005-03:00

Para los que disfrutan del home listening Giuseppe Ielasi no los defraudará. En este Stunt utiliza como materia prima algunos vinilos que los convierte en varias secuencias crudas generando atmósferas sumamente interesantes. Son solo 6 tracks de 22 minutos en total y es un trabajo casi imposible de conseguirlo comercialmente.

Giuseppe Ielasi - Stunt

EL CLUB DE LA SERPIENTE | LINKS 25 DE AGOSTO

2008-08-28T19:16:00.003-03:00

Aquí los links para bajar o escuchar el programa transmitido el Lunes 25 de Agosto. A ver si se la aguantan.

Comenten cobardes. Nuestro ego se debilita.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

THE BOATS - Faulty Toned Radio

2008-08-22T09:47:00.007-03:00

El Sello Japonés "FLAU" se a robado ( Bye!! Moteer!) a los interesantísimos The Boats.
Andrew Hargreaves y Craig Tattersall vuelven con este "Faulty Toned Radio" y repiten los fragmentos, porciones, residuos electrónicos que contados entendidos pueden llegar a clasificar o etiquetar. Me agrada la clasificación de Laptop/Americana por lo abarcativa y por el sonido que genera al pronunciarla y a la vez nadie hace ninguna acotación para no quedar en ridículo.
Hay que prestar atención a los títulos que los Boats le pusieron a los diferentes tracks, ya que demuestran que les importa todo un bledo, para la belleza intrínseca que transmite cada tema y por otro lado no quieren dejar de divertirse. Me hace acordar cuando algunos se rompían la cabeza intentando de decifrar los laberintos pensados por Borges y el lo único que estaba haciendo era una broma pesada para los amigos o para sus fantasmas. Básicamente es lo que hacen los Boats una broma con los títulos y por otro lado se la mandan a guardar a todos ya que es impresionante la creatividad y experimentación que abriga cada track.
La verdad es que hacía unos meses que no teníamos una sorpresa como estos enigmas que nos trajo el barco desde otras dimensiones.
Y algo que caracteriza a los Boats es no navegar en océanos calmos, optan por cualquier corriente que sea bien drenada y fluida. Por lo tanto pocos podrán olvidarse de este Faulty Toned Radio.
Por lo tanto a dejarse llevar por esta nave que nos hará conocer paisajes electrónicos muy maduros.
En el track Get Folk Outta My Face ya tenemos un panorama revelador del mar que nos tocará en nuestras visiones futuras. Esa guitarra con un dejo de folk se entrecruza con interferencias del más allá, donde pareciera que con el piano las olas desaparecen. En It's Not A Folk, It's A Knife ya visualizamos que la melancolía puede cortar la vena mas dulce de los vestigios femeninos que se interpolan en el ocaso del ascenso, y sin salvavidas muchos no vuelven a sentir los rayos del sol.
The Melody Mosquito es la mejor manera de sintetizar el terrorifico sonido de los mosquitos en la oscuridad y volverlos totalmente amenos, socializados y civilizados en bellos loops, toda la sangre se otorga con ritmos lejanos. Harry, Stop It Please un homenaje a algún conocido que se quedó colgado toda la noche en tú notebook haciendo música, bebiendo y queriendo acercarse a tú mujer sin posibilidades de mantener el equilibrio. As For Substance ideal para analizar el poder de las 4 dimensiones encerradas en el poder de la imaginación. This Is For You To Read exclusivo para poder leer los ojos claros de alguna perdida isla nocturna, con curvas hipnóticas, donde tras algún golpeteo extraño, se extravia un beso al pasar, de revés. Cars, Bikes, Boats, Babes, la locura ya es dueña de toda cordura posible y no hay necesidad de ser innovador ni genio cuando el rumbo está fuera de toda posibilidad de visualizar en un mapa fotográfico.

-tracklist-

01.Get folk outta my face
02. Its not a folk its a knife
03. The melody mosquito
04. Harry, stop it please
05. As for substance
06. This is for you to read
07. The boats can't save you now
08. Cars, Bikes, Boats, Babes
09. Please correct me
10. This blotch is crossed
11. Hemihorn

Pincha acá para viajar con los boats

LINKS | EL CLUB DE LA SERPIENTE | LUNES 11 DE AGOSTO

2008-08-13T15:06:00.006-03:00

Van los links gente. Tuvimos problemas con zshare, asi que algunos van por rapid. Saludos y gracias por estar.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

SENKING - LIST

2008-08-08T12:24:00.006-03:00

Si hay algo que nos agrada por sobre todo, es el ambient dronero y jodón. Ese que tanto le agrada al sello Raster Noton y su ejército de creadores de ambientes sub-normales. El músico Jens Massel aka Senking, nos regala una bombita de placer para nuestros oídos con List.
Y estos músicos (sello Raster Noton), especialmete Jens Massel, se caracterizan por crear ambientes oscuros propios de films como los de Carpenter, no sé si recuerdan el clásico "The Thing", para los que lo disfrutaron, List será un nuevo clásico también.
Massel esculpe glitchs sumamente pesados donde los acompaña con sintetizadores sufridos y entre cortados, dándoles espacio para respirar y hacer que la oscuridad comience a mover sus pies y realice bosquejos de alguna danza primitiva de invocación espiritual.
En algunos momentos pareciera que Massel está tocando debajo de la tierra, ecos que predicen algún estremecimiento tectónico. Tapado por infinitos cables que van cubriendo la escena y convirtiendo en realidad lo que algunos pueden idear como ciencia ficción o el mejor Terror.

Tracklist:
1 Common Business (4:00)
2 Pathogenic Agent (4:26)
3 Come In (4:36)
4 Bohrer (5:35)
5 Great Day (4:41)
6 Gestalt (0:36)
7 Graue Musik (4:24)
8 Mist (4:47)
9 Crevasse (5:04)

SENKING - LIST

EL CLUB DE LA SERPIENTE | LINKS

2008-08-08T12:08:00.003-03:00

Aquí los links del programa transmitido el Lunes 4 de Agosto. Que lo disfruten si eso es posibe.

1º BLOQUE

2º BLOQUE

3º BLOQUE

4º BLOQUE

LINKS EL CLUB DE LA SERPIENTE

2008-07-29T19:11:00.001-03:00

Regresamos luego de unas vacaciones silenciosas y hacemos lo posible porque la música y la noche sean una misma cosa. Acá los cuatro links de los cuatro bloques del programa transmitido el Lunes 28 de Julio. Gracias por la espera.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

Brael And Tokyo Bloodworm - Living Language

2008-07-24T10:48:00.005-03:00

El sello Moteer (The Boats, The Remote Viewer,etc) este año nos regaló este fabuloso Living Language de los Brael And Tokyo Bloodworm y lo de regalo va en doble sentido o doble vía.
Los Brael And Tokyo Bloodworm juegan con una enrevesada combinación y tratamientos de texturas digitales de alta densidad emotiva. Muchísimo manejo de drones apuntando al perfeccionismo, dirigiendo el foco al detalle imperceptible, a los mínimos rasgos que se pueden escapar obviamente en una escucha superficial o al voleo o al estilo zapping sin rumbo aparente.
Apenas dejamos circular el cd en nuestro equipo aparece "Saturn Shine", donde por medio de susurros universales descubrimos que en Saturno hay vida, son miles de murmullos donde hay muchas semejanzas al último trabajo de Grouper y a los anteriores también como "Way Their Crept".
Stephanie Flood le da una profundidad a su voz que convierte todo lo electro que la acompaña en algo como un terciopelo etéreo. Las pistas se llenan de profundiad y dimensiones caoticas.
En el tema "Golden Mean Rectangle" introducen una guitarra acústica a su ecuación matemática y se genera un remolino de sonidos envolventes y absorbentes que suenan como algún trabajo de Philip Jeck para ser escuchados en el medio de un desierto debajo de un árbol y boca abajo en posición de trépano petrolero que se mueve en cámara lenta.
Una mención aparte merece el tema "Seed" una canción de amor fracturado, diseccionado, donde la melodía gira deshilachada en caricias miniaturas de tentáculos que atraviesan la realidad, desde el muro que nos divide, voces materializadas en suaves manos transparentes, vienen a mostrarnos que hay algo más allá de lo perceptible. Todo un proceso de degradación fonética donde los zumbidos son apenas audibles para la realidad. Las teclas y dedos se funden en arroyos y ríos que corren de modo vertical, lluvia acústica.
En definitiva, excelente mezcla alquímica entre Downtempo, folk, Shoegaze, clásica, con manipulación experimental generando un escudo impenetrable para ingresar en la gran batalla japonesa.

Brael And Tokyo Bloodworm - Living Language

TAREA PARA EL HOGAR: 14 COSAS LINDAS

2008-07-23T10:24:00.004-03:00

Desde el blog de Ana me llega esta Tarea para el Hogar. Escribir 14 cosas que me hagan feliz, elegir algunos bloggers amigos y pasarles el meme para que hagan lo suyo. Pues bien, para encontrar entre los días que pasan buenos momentos, acepto la propuesta y acá van mis 14 felices.

Ah! antes que sigamos les dejo las reglas del meme:

1. Escribir 14 “pequeñas cosas” que te hagan feliz
2. Copiar primero las reglas
3. Seleccionar 6 bloggers para que sigan con el meme
4. Avisarles a los bloggers seleccionados (y aguantarse después las puteadas).

1- Los Domingos cerca de las 11 de la mañana cuando abro los ojos y hay un poco de luz que se filtra por las persianas de mi casa y pienso que en unos minutos nomás el agua va a estar dentro de la pava sobre el fuego y mi chica sentada frente a mi en nuestra silla en nuestra mesa entre galleta y galleta me contará sus sueños de la noche pasada.
2- Que haga frío y poder salir con las manos en los bolsillos y tirar aliento por la boca que parece humo y que las señoras que hacen garrapiñadas y almendras con caramelo prendan sus garrafas y armen sus carritos en las esquinas de este desierto y que ese olor dulzón te atrape a mitad de cuadra y que al llegar a la esquina descubras esas ollas tipo wok de cobre como todo martillado responsables obvias del perfume y no puedas resistir la tentación ni los salubres consejos de tu bromatóloga amiga y te compres un paquetito de garrapiñadas y sigas tu camino más feliz que no se qué.
3- Las autopistas de Buenos Aires vistas entre sueños medio dormido desde el asiento incómodo de un colectivo de larga distancia clase turista.
4- Beber con amigos y sacar fotos y mirarlas ahí nomás como asombrado por tanta tecnología suelta.
5- Escuchar la música extraña que mi amigo Venter postea en este blog y poner cara de: qué corno es esto?
6- Caminar desde mi casa hasta el estudio y tratar de innovar cada mañana el recorrido. Las opciones son finitas pero las combinaciones siempre pueden modificarse aunque más no sea en la posición de la cabeza. Una mañana por ejemplo camino mirando hacia arriba y descubro que las fachadas de los edificios son extrañamente nuevas. ¿Eso siempre estuvo ahí?
7- Escuchar más de 10 veces la misma canción. Música de poder le digo yo. Hagan la prueba con “The district sleeps alone tonight” del disco “Give Up” de “The Postal Service”.
8- Dejar de fumar y fumarme un pucho de vez en cuando.
9- Tener mucho trabajo. No tener ganas de hacerlo. Ponerme a hacerlo. Terminarlo y darme cuenta que era mucho menos de lo que yo pensaba.
10- Cocinar. Cualquier cosa. Cocinar y cortar verduras en pequeños trozos y usar el mortero que me regalo mi chica para preparar pasta de ajo y cilantro y revolver menjunjes con mi cuchara de madera y silbar y mirar por la ventana y ver que el vidrio por el calor de las ollas siempre se empaña.
11- Que ella se duerma primero y yo quedarme leyendo hasta dormirme con el libro sobre el pecho.
12- Tomar mate con mi vieja.
13- Ser un cabrón pero haber logrado que mi chica y mis amigos igual me soporten.
14- Tener un blog y poder no usar jamás una asquerosa coma.

Le paso la felicidad a Gise, Nacho, Fregaria, Rain.

EL CLUB DE LA SERPIENTE | LINKS

2008-07-10T11:32:00.002-03:00

El Feriado detuvo la entrega de los links. Aquí los 4 bloques del último programa de "El Club de la Serpiente".

La radio se toma vacaiones de invierno, por lo tanto por dos semanas no habrá club.

Hasta la vuelta y gracias por escuchar.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

NURSE WITH WOUND - HUFFIN' RAG BLUES

2008-07-04T17:16:00.004-03:00

Otra surrealista entrega de los indescriptibles, inclasificables, agitadores eclÉcticos autodenominados Nurse with Wound. Steven Stapleton y Andrew Liles son dos manipuladores del inconsciente, borders que pueden comunicarse con los oníricos tentáculos que lo acosaban al Conde de Lautreamont o hacer música con los frígidos bigotes de Dalí. Este trabajo viene con la incondicional colaboración de cientos de personajes a veces monstruosos, que se entregan encerrados en camisas de fuerza para recibir un tratamiento extremo de descargas eléctricas genEradas por la técnica NWW de lavado neuronal.
Y para este "HUFFIN' RAG BLUES" han decidido tocar el botón o los botones del tablero de comando de la nave NWW donde las enfermeras con sus problemas y delantales manchados con semen de tanto encierro blanco, con su mimetización de atender tantos pacientes internos e imaginarios convierten los teclados y los botones en píldoras de colores con prepoderancia de tonos azules, de esos que erectan las ondas del ambiente y del subsuelo y ante tanto desconsuelo de un hospital o clínica que quiere poner orden a tanto problema de salud y de mala alimentación y programación, la nave aterriza en la década del 50 o quizá 51 o 58, donde por una alcantarilla entran en un club de jazz, con varios seres o estelas de humanoides que nos dan una clase de toda la inconografía oculta, por detrás del muro, lo que puede ser una visión travestida del jazz.
Una reverberación misteriosa donde el sonido es guiado por antorchas llevadas en la nariz de extraños trolls asexuados, donde su ritmo es la respiración, el dejo del movimientos del corazón, eso que que se nace no se hace, así es el jazz arquetípico.
Después de tantos actos subersivos que han sido los discos anteriores de NWW este último puede ser catalogado por un buen consejo de esquizofrénicos, el Consejo Mundial de Esquizos Unidos, como el disco mas Pop realizado por NWW. Y eso lo podemos tomar como un halago, porque el mes pasado el Consejo Mundial de Esquizos Unidos declaro la filmografía de David Lynch como la más normal realizada en las últimas décadas. Todo un logro. Todo un rollo.
Y la pregunta que nos hacemos esto puede ser considerado como kitsch?
Un jazzero cuando se enferma puede tocar algo como HUFFIN' RAG BLUES?
Y por otro lado este trabajo es la deconstrucción, reconstrucción, destrucción, la burla, la pulverización o la celebración de un nuevo vestido que se a puesto el jazz?
De lo que no tenemos dudas es de que es un vertiginoso collage. Impregnado con partículas cortantes y filosas de anarquía. Pero una anarquía alegre, jocosa, burlona y hasta fumona.
Para escuchar y disfrutarlo cabalmente tenes que estar dislocado o colocado que viene a ser algo similar.
Y no debemos olvidar que si queremos revivir el jazz de los 50 es preciso que nos realicemos unos bucles o rizos, el color no es importante puede ser en blanco y negro y los vasos de colores.
Es lo de ménos.
Y por otro lado una charla aburrida se puede contrarestar con esta música?
Prueben, es muy efectivo.

NURSE WITH WOUND - HUFFIN' RAG BLUES part 1
NURSE WITH WOUND - HUFFIN' RAG BLUES part 2

EL CLUB DE LA SERPIENTE | 30 DE JUNIO

2008-07-01T22:58:00.002-03:00

Los links del programa emitido el Lunes 30 de Junio.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

Skallander - Skallander

2008-06-20T09:56:00.003-03:00

Desde Nueva Zelanda tierra de los temibles gigantes "All Blacks" nos tranquilizan con su música otoñal, atmosférica y onírica los músicos de Skallander. Ellos son Bevan Smith (miembro de Signer) y la guitarra jazzera de Matthew Mitchell que generan revuelo en la tierra del mar con sus sonidos para peregrinar en tierras virgenes. Desde que se pasaron al sello Type el resto del globo puede disfrutar y bañarse en sus encantos.
Skallander ocupa un espacio alternativo en lo que se puede encasillar como música de autor, juegan con una post producción electrónica que es imperceptible y una guitarras acústica que hace la función de pala, donde van recogiendo voces por aquí y por allá. Con un pico dándole al agua a veces obtienen lejanias de jazz psicodélico. Son expertos alpinistas donde van llevando al oyente desde una visión de Laptop Folk/Americana a una experimentación sumamente sutil donde cada track nos coloca en un umbral más elevado.
Por fin un cd donde el juego de la voz y la guitarra se torna memorable y nos hace recordar unos pocos trabajos de la década del 70 que se convirtieron en clásicos indiscutidos de la historia del rock, no me estaré pasando de la raya? exagerando?. No no lo creo. Pero a veces cuando te hacen la pregunta estúpida, esa que dice si te vas a una isla de por vida que libro o disco te llevarias, tal vez, tal vez este sería uno.

Track:
1. Haala
2. Forgiven
3. Dismemberment
4. Flesh Born Constellation
5. Dusting The Gallows
6. Ingrain
7. Misery
8. Future Life
9. Time Is Only A Revlolution
10. Surviving In 45 Below

Skallander - Skallander

PETER BRODERICK - FLOAT

2008-06-17T19:19:00.003-03:00

El regreso del enigmático, impenetrable, misterioso Peter Broderick después de su Docile arrasa en las ondas de soplo primal con Float.
Cuando se termina de escuchar "Float" de modo íntegro es como que uno ingresó en la máquina del tiempo y voló por toda la historia de la música de manera íntegra, es una clase propiamente dicha. Y a la vez nos queda ese sabor de que esto alguna vez lo escuchamos. Es una especie de deja vú o magia vudú. O tal vez esos arquetipos que revolotean dentro de nuestras ánimas.
Piano, violines, cello, batería, guitarra y banjo toman el centro del escenario y se llevan todas las luces de ojos hipnotizados. Y cada unos de estos instrumentos pintan fotos de alta resolución dentro de nuestros sueños conscientes. Hay una especie de belleza pastoral donde las monjas corren sin sus atuendos pero no hay agresividad por parte de los opuestos, no existe la perversión, es una visión o interpretación del paraíso, donde las manzanas no vienen con regalos oscuros ni con víboras, y todo es hermafrodita, estoico.
Broderick es la música de múltiples facetas, profunda y totalmente inolvidable.
Es una obra maestra para hacer nuestras cortas vidas un poco mas llevaderas.

Track Listings

1. Snowflake

2. Floating/Sinking

3. Glacier

4. Simple Reminder

5. Stopping on the Broadway Bridge

6. Another Glacier

7. Something Has Changed

8. Broken Patterns

9. Ending

10. Beginning

PETER BRODERICK - FLOAT

PARIS PANORÁMICA

2008-06-15T20:59:00.004-03:00

En la captura que ilustra el post, una mujer desnuda sube unas escaleras. Ella ignora que la estamos observando. Su despedida es nuestro deleite.

Hipher Photo aloja una impactante galería de fotos panorámicas y entre ellas la de una París nocturna y muy sensual.

Dejen cargar la página y luego naveguen por la foto. Un click y hacen zoom.

Los cuadros rojos muestran fragmentos de tiempo, extraños por simples y reales. Autos esperando un semáforo que los autorice a llegar a casa. Dos mujeres que se pelean quizá, o tal vez estén a punto de besarse. Hombres solitarios que observan el río correr y permanecer, como ellos, siempre en el mismo lugar.

Y las luces, siempre las luces. Que nos alejan del terror de una verdadera noche.

Un viaje a la ciudad más idealizada de Europa, con la opción de ver, sin ser vistos.

Enlace: hypher-photo.com

LO QUE UNA EMBARAZADA DEBE SABER

2008-06-14T16:16:00.008-03:00

Vía los links de los Viernes que siempre postea Fabio, encuentro este resumido manual, muy gráfico por cierto, de lo que una chica emabarazada debe y no debe hacer. Importantísimo tenerlo cerca, si están pensando en convertirse en padres.

La serie completa aquí.

JACASZEK - TRENY

2008-06-12T19:06:00.004-03:00

Jacaszek es Michal Jacaszek, algo así como Bond, James Bond, el polaco dice Jacaszek, Michal Jacaszek. Y si vuelo a Polonia, a pesar de un desdibujado Papa con rostro sumamente bonachón que por su desaparición ineluctable nos regaló un Papa con un rostro sumamente amenzador a pesar de un pequeño tropezón o visualizando y escarbando más en mi mente resurge el vocablo solidaridad con ese gran luchador Walesa, Lech Walesa, no encuentro más sostenes ni breteles ni visagras históricas para confeccionar un brainstorming musical con referencias polacas.
Pero con un dedo a cada costado de mi frente, las reminisencias son siempre las mismas, ecos, vibraciones heladas que rebotan en paredes de un país sufrido, que conoció lo que es oir el sonido del estómago vacío acompañado de inviernos sin donde apoyar las manos para imaginarse lo que es el calor, lágrimas desérticas y dolorosas, cansadas y olvidadas.
Jacaszek son violines, cellos, harpas, pianos y una bellísima manipulación electrónica.
El sonido de Jacaszek llega hasta el borde de nuestros sentimientos. Colorea el dibujo que realiza nuestro inconsciente en la transparencia que nos rodea. Es una experiencia cuasi mística donde podemos convertirnos en soldados extremistas de la causa clásica. Y saldremos de a miles o de a pocos o solos como un héroe o como un antihéroe y entraremos a un shopping rebalsado, superado, atosigado de gente o fantasmas de cuentas electrónicas con tarjetas pesadas y con status visto en alguna publicidad, donde nos mirarán asombrados al ver lo que nos cuelga. Nos mirarán desde abajo hacia arriba mientras desfundamos. Se asustarán, las niñas temerosas abrazaran las piernas de sus madres, los viejos o no tanto bajarán la cabeza y nosotros con un grito propio del rey de la selva, diremos: todos quietos, nadie se mueva. Y de la funda o fundón o forrazo sacaremos un violín. Sí un violín que provocará que las niñas segundos atrás temerosas ahora esbocen una sonrisa y suelten la pierna de su madre. Los viejos darán un paso adelante sacando pecho. Y ahi levantaremos la mano en señal de stop y diremos: momentito y de nuestra mochila sacaremos un cello. Y por 55 minutos haremos un cover tipo manifiesto en defensa de la música clásica tocando el siguiente tracklist.

Track:
1 Rytm To Nieśmiertelność I (5:26)
2 Lament (6:54)
3 Orszula (3:36)
4 Żal (4:58)
5 Powoli (5:54)
6 Taniec (5:05)
7 O Ma Żałości (5:32)
8 Tren IV (3:34)
9 Walc (3:12)
10 Martwa Cisza (5:14)
11 Rytm To Nieśmiertelność II (4:46)

Agarráme el cello JACASZEK - TRENY

ASS - My get up and go just got up and went

2008-06-05T15:46:00.003-03:00

Andreas Soderstrom tiene algo de arácnido, como que nació en una estructura construida por su padre en la vieja, o no tanto, fábrica de Bouzouki (son una guitarras griegas del siglo pasado). Soderstrom father tejió o hilvanó cuerdas en forma de embudo, otras en forma de hoja e, incluso, otras en forma de universo con imagen de guitarra. Cuerdas, teorías y sonidos que interconectaron donde todos los bloques de materia son en realidad expresiones de un objeto básico unidimensional, llamado sonido del más allá. Cuerdas que vibran en un espacio-tiempo de más de cuatro dimensiones.
No es para cualquiera este My get up and go just got up and went, pero sí es la medicina correcta para los amantes del folk metalizado y sumamente sutil.
Es el cd recetado para escuchar en una cabaña al lado de una chimenea llena de leños de quebracho colorado y mirando por la ventana como nieva de manera desconsolada.

ASS - My get up and go just got up and went

DEERHUNTER - MICROCASTLE

2008-06-04T13:08:00.007-03:00

Nuevo trabajo del hombre mutación, la metamorfosis online, el de las faldas sonoras: Bradford Cox.
El año pasado nos cayó muy bien su proyecto solista Atlas Sound con el disco "Let The Blind Lead Those Who Can See But Cannot Feel".
Y regresa con toda la fuerza de su personalidad hiperquinética realizando un fifty-fifty entre Deerhunter y Atlas Sound.
Un album para meditar en atmósferas noctámbulas donde el espacio hipnotiza la complejidad de una transformación eterna de crecimiento neuronal sin sostenes para comparar.
La distorsión en Cox y Cia. se vuelve suavidad, caricias de plumas y cabaret en pueblito acompañado de desierto helado.
Si te dan de beber una dosis de síndrome de Marfan no está comprobado que tú cuerpo se contagie con rayos de genialidad única. Los compañeros de aventuras de Cox son sólo eso.
Efímeras presencias. Sombras detrás del síndrome. Del Sufrimiento de un cuerpo que se estira como una goma elástica, elastiquin oscuro que rodea un abultado paquete de billetes verdemar.
Y en cada rebote de estiramiento viene con más perfección.
Casi bordeando la obra de alguien que ya puede enseñar.
Sus últimas lecciones.
Porque tal vez el detenerse conlleva a no poder abrir mas los ojos.
Y su rutina consista en vivir hasta que su nota creativa se eleve a un punto donde no se pueda ver, sin retorno, Torre de Babel. Donde lo etéreo desdibuja al creador y todo cae en copos de algodón líquido.

DEERHUNTER - MICROCASTLE

DEERHUNTER - MICROCASTLE

SIN EGO

2008-05-29T13:07:00.003-03:00

Hoy quizá el frío y la fina caída de copos de nieve (niguno igual a su anterior ni a su precedente), nos volvió un poco melancólicos e introvertidos. Como Eternautas en una web que a veces atrapa y otras asfixia, seguimos consumiendo bits y alejándonos de los atómos.

Muchos fotográfos inmortalizaron su nombre, utilizando como puente criogénico para sobrevivir a los siglos, una fotografía. El disparo de un botón en el momento exacto, el interior cavernoso de un lente que se contrae y atrapa la luz, la disgrega y la convierte en imagen.

El dificil acceso del hombre común a los intrumentos tecnológicos, hacía que las profesiones fueran opciones a las que se accedía luego de largas horas deliberando el futuro de nuestra vidas. Arquitecto, abogado, actor, fotógrafo, cualquiera de ellas tenía sus beneficios y sus limitaciones. La información era generada por un solo núcleo y por supuesto, no era horizontal sino vertical.

La democratización de la tecnología y por ende, el acceso libre de la humanidad a las fuentes de la información y la fantástica posibilidad de ser nosotros mismos los que creemos esa información, ha dado un giro a la realidad, convirtiendo al siglo XXI en una bisagra, social, cultural y política a nivel mundial.

La globalización se siente tambien en las terminaciones intangibles de la web.

Hoy los nombres de los fotográfos no son de fácil recordación, por la simple razón que todos podemos jugar a ser fotógrafos por el tiempo que nuestra diversión o curiosidad o tiempo o simples ganas de hacer algo, aguanten.

La web es entonces el albúm interactivo con llegada al universo, en el cual estos fotógrafos espontáneos muestran sus producciones. En ocasiones, estas placas de tiempo detenido, se multiplican en cada sitio de cada rincón de esta red y entonces el efecto viral se consigue y todos podemos saber lo mismo, prácticamente al mismo tiempo.

Por eso, los autores pierden relevancia con el avance de esta nueva e infinita forma de comunicarnos y difundir, y se fortalece el significado primario y esencial de cualquier expresión, la obra en si misma y no su autor.

Imaginemos grandes bibliotecas con fabulosos nombres y en sus lomos sólo sus títulos y una total ausencia de autores.

Así, con cada cosa.

Así, un mundo repleto de arte y ausente de ego.

La fotografía que ilustra este post, lleva más de 10.000 votos en Digg, y nos muestra la despedida de dos hermanos norteamericanos, uno de ellos a punto de partir hacia la guerra de Irak.

La secuencia concluye con el reencuentro de estos dos hermanos, uno de ellos, dentro de un ataúd.

El montaje que la realidad nos presenta a cada minuto puede ser más tremendo y crudo que cualquier película de Dario Argento.

The Young Gods - Knock On Wood -The Acoustic Sessions

2008-05-23T11:53:00.007-03:00

Los pioneros suizos del sonido digital, maestros industriales nos presentan sus grandes éxitos en versión acústica. Los 11 tracks que contiene este Knock On Wood si bien mantienen todo ese clasicismo que caracterizan este tipo de acústicos, de repente aparece esa fuerza vocal de Franz Treichler que nos hace erizar la piel. Es una especie de Morrison reaparecido después de una comilona francesa. Está todo inserto en una atmósfera psicodelica donde la voz de Treicher hace la función de cantos curativos.

Tracks:

Our House
I'm the Drug
Everythere
Gasoline Man
Speak Low (Nash/Weill)
Charlotte
Ghost Rider (Suicide)
Longue Route
She Rains
Freedom
Skinflowers

Video THE YOUNG GODS -SPEAK LOW -LIVE AT "MOODS"
Video THE YOUNG GODS FEAT ERIKA STUCKY-IF 6 WAS 9-LIVE AT"MOODS"
Cd The Young Gods - Knock On Wood -The Acoustic Sessions

VERBOCA Y RÓMEZ EN UNA TARDE DE VODKA Y BATAS FLOREADAS

2008-05-20T12:51:00.000-03:00

"Bervoca y Romez en una tarde de vodka y batas floreadas" es un relato que fue publicado en Subsidio en Julio del año 2007. Ahorita mismo, escribo algunas historias que intentan trabajar sobre mecanismos y formatos más tradicionales. Con personajes que se llamen Pedro y Aníbal y Antonio. Que hagan pis y jueguen al chinchon. Hasta ahora solo he logrado terminar un par de cuentos pésimos. Berretas y muy pretenciosos. Les dejo al triste Rómez con su bata floreada, para que pasen el rato mientras yo trato de escribir, aunque más no sea, dos palabras que no me den vergüenza.

Me pregunto si será posible la penetración por el este. Justo cuando la noche se caiga. El sabor de la porción que ella le arrancó de las manos. “Le arrancó de las manos” es proporcional al estímulo que él cree que va a recuperar. Que algún día recuperará. No saber si uno está esperando con verdadero sentido de la realidad porque no hay un solo sentido al cual atenerse en realidad.

“La verdadera causa del dolor radica en Uno”. Eso le decía Bervoca a su primo Rómez mientras se manoseaba la entrepierna y con la otra mano levantaba el vaso con vodka, hielo y limón.

Hay algo en el blues. Algo que camina lento sobre el pavimento.

Primer día de frío del año. Rómez se despierta con más energía que de costumbre. Abre la ventana de su habitación y en la calle el calor ya no está. Hace un fresquete de la ostia. Decide que como toda su ropa estaba sucia ese día no iría a trabajar. La casa donde Rómez vive era de su madre que falleció en un accidente aéreo. Un viaje a Guatemala para ver a un supuesto hermano. Nunca volvió. Por suerte. A Rómez le gustaba quedarse todo el día en esa vieja y asquerosa casa. Paseándose como un gato trolo. Vestido con la bata de flores estampadas en colores rojos, azules y verdes que su madre había dejado. Rómez no estaba enfermo. Ni era un psicópata, ni un anormal. Era un perdedor que no tenía voluntad ni siquiera para convertirse en algo malo. Su primo Bervoca en cambio había conseguido el éxito. Lo había logrado. Mujeres, dinero, carisma, una vida lustrosa, como recién plumereada con Blem.

“La verdadera causa del dolor radica en Uno, muñeco. Es así. Creéme. No hay otra. Si vos no te levantás del charquito cochino en el que estás revolcándote, nadie lo va a hacer por vos” Eso decía la bosta de Bervoca al sutil Rómez mientras con un Tramontina cortaba unos limones más para su vodka. Bien finitos los cortaba el pendejo y ni una gota se escapaba de los casilleros naturales y amarillos. Bien finitos los cortaba el pendejo y a mi me arden los dedos por que tiendo a comerme el cuerito de los costados y cuando corto limones me duele como la puta madre. La pelotita salchicha. Recuerdo esa vez que peloteamos con la Nro. 5 de cuero en la finca del Loco Pastrián, y yo estaba pateando al arco y el animal de su hijo hacía de arquero contra el portón de la cochera y le dije, te pego un pelotazo en las bolas y el tipo me miró sorprendido y dijo que no podría porque estaba muy lejos y no tenía la puntería suficiente. Y yo lo miré y me dejé llevar por una brecha que se abrió en el espacio que nos separaba y sentí una especie de perfección, una seguridad en la ejecución, un estar más presente, más extraño. Y pateé y di en el blanco y el animal del hijo del Loco Pastrián se derramó sobre la tierra, cayó con las rodillas y luego inició un contoneo extraño sobre el piso mientras vomitaba y gemía de dolor. El tiempo volvió a fluir de manera normal. Me acerqué. A medida que caminaba me convertía en el mismo inepto de siempre. Ya no había perfección, ni brecha espacio temporal. Ahora estaban los problemas del animal gimiendo de dolor. Del padre ofuscado deseando matarme pero conteniendo su más sincero sentimiento. La tarde que se mostraba impaciente y babeaba nubes grises sobre el final cuchillístico de la finca. Los árboles con manzanas verdes se bamboleaban y el viento patagónico los soplaba sin descanso y hacía esa música tan personal que tienen los atardeceres grises con árboles de manzanitas verdes colgando de sus ramas. Una música de terror. “La verdadera causa del dolor radica en Uno, muñeco. Es así. Creéme. No hay otra. Si vos no te levantás del charquito cochino en el que estás revolcándote, nadie lo va a hacer por vos. Nadie va a tirarte una soga, y si te la tiran seguro va a ser esperando que te cuelgues de una viga. Haceme caso. Tratá de hacer como yo. A mi nadie me regaló nada. Yo me hice de abajo. Desde abajo te diría. A mi nadie me levantó de mi charquito de basura.” Y Bervoca se tomaba otro sorbo de vodka mientras arqueaba las cejas en señal de aprobación o quizá de remembranza o simplemente por que ese era su tic predilecto. Y las paredes de la cocina que contenían a Rómez y a Bervoca se alejaban y acercaban en un travelling estúpido contra la realidad y los limoncitos cortados en fetas como la mortadela de la histérica sin sexo de la esquina de la casa que se puso un negocio justo ahí. Frente a la Araucaria. Y le trajo mala suerte. Y esa botella con vodka que contra todas las predicciones no vacía jamás su contenido y por su culpa por su gran culpa esa anti-vacío impide que la bosta de Bervoca se vaya de mi casa y mamá muerta entre los pedazos retorcidos del avión humeante chispeante y este primo vacilante que come billetes de cien pesos mientras yo tengo la ropa sucia y la bata floreada de mamá me da calor calor calor y quién dijo que el vodka se toma con limón. Ojala esto se termine pronto.

Último trago de la botella. Último limón del saco de limones. Bervoca se levanta, tambaleante toma el pasillo con sus manos y se ayuda con experiencia para lograr un exit decoroso y se despide. Rómez le abre la puerta. Lo saluda con la mano derecha mientras con la izquierda cierra la bata floreada de su madre sobre su pecho. La tarde es gris y el frío corta la piel como navaja, Rómez se mete en la casa y decide pasar una rejilla húmeda sobre la mesa manchada de limón. Luego verá que hacer con el resto del día.

EL CLUB DE LA SERPIENTE

2008-05-20T10:40:00.003-03:00

Les dejamos los links del programa transmitido anoche Lunes 19 de Mayo por FM UTN. Como siempre, pueden escucharlos on-line o bajarlos a su computadora. Son cuatro bloques de media hora con un peso aproximado de 26 Mb cada uno. A ver que opinan.

Bloque 1

Bloque 2

Bloque 3

Bloque 4

LIBROS RÁPIDOS

2008-05-18T22:43:00.002-03:00

Una máquina expendedora de libros instalada en las calles de Madrid.

RYOJI IKEDA - TEST PATTERN

2008-05-14T12:22:00.004-03:00

El japonés Ryoji Ikeda es un indagador cifrado que manipula datos en la frontera oculta del ruido/señal todo lo referente a los ultrasonidos y frecuencias bajo un velo oscuro de números que son expulsados hacia los bordes filosos de lo audible.
En su imaginario creador el ruido es crujido, zumbido, repiqueteo, detonación sonora y en bloque son hercúleos soldados programados para auto reproducirse ad infinitum como complementos de apoyatura del Alma Mater: “La Señal”.
El hombre masa, ese que repite conceptos generados en la matriz religiosa/social, sostiene que el ruido es distinto al de señal. Pero en un mundo donde es polaridad absoluta, la polaridad se puede invertir en el instante impensado, como cuando un buen amigo decide insertarse un cocktail de siliconas y botox y nuestro panorama se convierte en incierto al punto de no saber si debemos llamarlo “o” / “a”.
Las percepciones de la realidad humana navegan en las aguas turbias del caos por esto la señal puede llegar a ser la idea cabal del ruido y el extremo de uno hace a la vez de espejo del otro.
Por lo tanto lo importante no es el significado de lo que estemos escuchando sino el análisis quirúrgico del mundo de las dualidades que nos atraviesan.
En los recovecos especializados de la crítica electrónica el sonido de Ryoji Ikeda se a denominado como “Ultra Minimal”. Pero no está solo en este fluir.
Los responsables del “Ultra Minimal” están conviviendo hace varios años en el sello Alemán “Raster Noton”, algo así como el templo alquímico de los impulsos eléctricos y matemáticos de la ciencia artística.
En Raster Noton coexisten diversos monstruos del hielo abstracto como Pan Sonic, Frank Bretschneider, Carsten Nicolai , y los ojos rasgados de Ikeda.
En Raster Noton la línea de experimentación hace focalización en la matemática donde se realizan señales con y para los datos. Algo así como “clicks and cuts”, donde desaparecen las manos y dedos y en su lugar se llena todo de cableados conectados a una señal Universal, donde los sonidos provienen del acto de enchufar y desenchufarse a una especie de matriz. Exploran los errores binarios y el poder de la repetición energética donde por intermedio de innovadores algoritmos los hacen convivir con secuencias e interfaces audiovisuales donde se puede percibir integramente en tiempo real todo en pantallas gigantes.
En el mentado Ultra minimal la periodicidad de escala espacio temporal entre emisor y receptor está sujeta a los significados infinitos que pueden abarcar definiciones polarizadas del silencio/pulsación, masculino/femenino, día/noche, frío/calor, agua/fuego. Donde las frecuencias fluyen como en un río numérico pero los significados dependerán de las corrientes de uno o cero que tenga el oyente en determinado espacio temporal dimensional único.
Las frecuencias al plasmarlas en gráficos digitales por intermedio de fórmulas cuasi artísticas forman semicírculos con infinitas dimensiones de acuerdo la sensación analizadas hacia arriba o debajo de un promedio representado por el vacío, y aquí es donde entra en juego la idiosincrasia interpretativa para calificarlas como de luz o tenebrosas. Pero jamás debemos olvidar que la protoenergía en sí es luminosa, llena de fortalezas creativas y siempre activa. Luego entra en juego la interpretación particular del “1”.
Adentrándonos en su último trabajo “Test Patern” traducido como experimento modelo o ejemplar, es continuador de la metodología anterior manifestada en “Dataplex” donde Ikeda realiza un paso hacia el futuro en la exploración del potencial de la percepción de la invisibilidad del mundo multiplicador de sustancias que la DATA provoca en nuestro medio ambiente simbólico.
Los dispares tracks de “Test Pattern” constituyen un sistema de mutación/metamorfosis íntegro de la DATA (textos, sonidos, fotografías y films) hacia el interior del “Código de Barras” y el sistema binario de (0) ceros y (1) unos.
Es una conversión continua, perpetua, sempiterna de datos crudos y rigurosos que los permuta en sofisticados registros de audio digital.
Ikeda nos permite como si fuese un prestidigitador poder escuchar el flujo o secreción inagotable de los datos puros, macizos, eternos. Generando dimensiones extraordinarias e inesperadas de sonido secular. Las secuencias de frecuencias que inventó revelan una exquisita variedad de estructuras microscópicas. Ikeda manipula las micro estructuras cambiando como una especie de Dios las secuencias cronológicas del espacio tiempo. En algunos instantes superfluos y anodinos el foco se enciende en las cualidades del suspiro rítmico y otras en romper los patrones establecidos.
Nos lleva de la mano hacia los límites de la percepción donde el punto crítico para nuestro equilibrio para no resbalar sobre lo desconocido es la velocidad que imprime a la conversión de datos, donde al no estar acostumbrados a digerir esas frecuencias, debemos apoyarnos en los visual para seguirlo de alguna manera, donde con tubos de ensayos eléctricos nos materializa el 1, el O, misturados con códigos de barros llenos de información encriptada, indescifrable y los cuales nos bombardean desde diversas perspectivas dimensionales. La ciencia ficción intenta visualizar posibles mundos hacia delante, Ryoji Ikeda es ese adelante en el presente.

Track:

01	test pattern	#0001
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	Total	58:21

ryoji ikeda - test pattern 1 er modulo electrico
ryoji ikeda - test pattern 2 do modulo mas electrico

REALIDAD SINTÉTICA O ESTE MUNDO NO ME GUSTA DAME ESE OTRO

2008-05-12T10:13:00.004-03:00

Se están realizando estudios que intentan crear una serie de robots diminutos que se acoplan de forma inteligente entre sí para tomar la forma y el color que nosotros queramos.

Investigadores de la Universidad Carnegie Mellon junto con Intel Research Pittsburgh, están realizando los avances para que la realidad sintética sea como la que podés ver en el video de arriba.

Aquí una declaracion de los investigadores.

El fin del proyecto claytronics es entender y desarrollar el hardware y software necesario para crear material que pueda ser programado para crear formas tridimensionales dinámicas que puedan interactuar con el mundo físico y tomar visualmente una apariencia arbitraria. Claytronics se refiere a un conjunto de componentes individuales, llamados catomos — por átomos claytronic — que pueden moverse en tres dimensiones (en relación a otros catomos), adherirse a otros catomos para mantener una forma 3D, y procesar información de su estado (con posible apoyo de otros catomos en el conjunto). Cada catomo contiene un CPU, almacenamiento de energía, un dispositivo de red, un dispositivo de video, uno o más sensores, un medio de locomoción, y un mecanismo para adherirse a otros catomos.

SI WALT DISNEY VIVIERA

2008-05-09T12:17:00.003-03:00

Philip K. Dick

En algunos casos la ciencia suele parecerse demasiado a la ciencia ficción. Eso puede deleitar a más de uno, Fresán por ejemplo, estaría encantado de cruzarse con las endemoniadas elucubraciones de Philip k. Dick, materializadas en la esquina donde suele comprar el pan y los 250 gramos de salchichón primavera.

A otros en cambio, ponerlos a pensar en todo este asunto de vivir en un siglo que camina tan rápido, suele derivar sus conclusiones en una pregunta ¿Está bueno lo que está pasando o en realidad estamos perdiendo el control sin darnos real cuenta?

Navegando un sitio que contiene entrevistas a escritores, descubro escondido entre la publicidad contextual, un aviso sobre la "conservación criogénica de las células madre". Intrigado hago click y navego y leo con los ojos bien abiertos que la sangre contenida dentro del cordón umbilical del bebé, conservada a temperaturas muy bajas (- 196º C), puede ser utilizada en un futuro para extraer estas células madres y salvar a tu hijo de por ejemplo, una leucemeia, e incluso ayudar no solo al niño en cuestión sino a cualquier integrante de la familia.

Son muchas las enfermedades que pueden combatirse, desde el Alzheimer hasta la Esclerosis Múltiple. Pues bien, con esta irreal técnica futurista, se lograrían eliminar. El proceso se inicia vía internet, solicitando un "kit de preservación criogénica", en el cual después del parto juntaremos parte del cordón umbilical con sangre y todo, y en menos de 48 horas se lo enviaremos a estos simpáticos señores, quienes lo criogenizarán para toda la eternidad.

El costo de sentirse parte de este mundo a lo Ballard, es de unos 1100 u$s para iniciar los trámites y luego un costo de mantenimiento que ronda cerca de los 800 u$s por 10 años.

Muchas peleas legales e varios países de nuestro mundo han habido con respecto a los códigos de ética que deberán tenerse en cuenta al momento de comenzar los trabajos de manipulación genética. Las posibilidades que cierta información pueda ser utilizada con fines oscuros no es para nada descabellada. Hace algunos meses atrás Google anunciaba una inversión de varios millones de dólares en una compañía llamada 23andMe Inc. dedicada a la recolección de ADN para la posterior confección de un Genoma Humano personalizado, con el cual podríamos por ejemplo, predecir enfermedades y descubrir talentos ocultos.

Información genética al alcance de terceros con fines que aun no conocemos ni por asomo y con la excusa de una posible futura salvación.

Todo así, sin comas, es el futuro a borbotones que nos propone la ciencia. El tiempo dirá si lo que viene es utopía o distopía.

Más info de Células Madre aquí.

"ELEPÉ" UN NUEVO PROGRAMA DE CANAL 7

2008-05-08T10:36:00.005-03:00

Anoche salió al aire, por "Canal 7" la primera emisión de un programa televisivo de producción nacional, llamado "Elepe".

"Elepé" se enfoca en desglosar los interiores de lo que la producción considera, son los discos mas importantes en la historia del rock argentino. Para la primera emisión se decidieron por "El Amor después del Amor", el disco más exitoso en la carrera de Fito Paéz.

Ahora bien, yo soy uno de esos adultescentes que opinan que Fito Paéz después de "Circo Beat" no ha hecho nada más que valga la pena. Y también pertenezco a esa camada de necios idiotas, que nunca más escucharon un disco de Fito Paéz pero que sin embargo, se mantienen firmes en tan difamante afirmación.

Una contradicción muy típica de la argentina, y un claro signo de una vejez negada. Como esos que dicen que Babasónicos no han nada más interesante después de "Trance Zomba" y así.

La carrera de Fito Paéz estuvo atravesada por los excesos y las desgracias, por el dolor y la furia, para luego calmarse en un corto oasis de placer rubio e histriónico. "El Amor después del Amor" no es un disco capital en la historia del rock nacional por su propuesta musical, no logró cambios paradigmáticos en el sonido de su época, como si lo hizo "Dynamo" de "Soda Stereo" o el fabuloso "Signos" de oscuridad sabrosa y ochentera. Sin embargo ese disco fue un éxito de ventas (más de 800.000 copias vendidas) y logró sacar a Paéz de los límites de la industria y colocarlo en el centro de las bateas.

Pero ojo, no es tan sólo un éxito vacío, la pura cáscara del marketing. No. Las 14 canciones que componen esta placa son todas y cada una de ellas, un mega hit, un corte perfecto, tierno y justo en su cocción. La participación de los monstruos del rock argento, Spinetta, García, Calamaro, Cantilo, Cerati, y un largo etcétera (siempre quise usar esta frase), apuntalan esta mole musical y la mantienen viva hasta hoy.

Un disco que no envejece, porque nuestros recuerdo adolescentes se mantienen ahí, intactos y la banda de sonido de nuestras ausencias y nuestras primeras borracheras está marcada, en mi caso, por mucha de esta música.

En este momento Venter se retuerce de dolor por las derivaciones de este post y piensa en sus alocados discos de música imposible, y en que para él, sería imposible darle una oportunidad a "El Amor después del Amor". Es posible, pero recuerdos son recuerdos.

Volviendo a "Elepé", quedé gratamente sorprendido. Excelente producción, buena postpro, edición ágil, selección de material coherente y también inédito (Cecilia Roth tirándole besitos a una cámara en un descanso de la grabación de los demos en las costas del Atlántico. Disecciones de viejas cintas con proyectos truncos para videos que nunca se concretaron, y un largo etcétera (segunda vez!)

Buen programa, preguntas claras y entrevistados bien predispuestos. La conducción a cargo de Nicolás Pauls resulta un tanto afectada y prefabricada y hasta quizá demasiado suavecita. Hay una necesidad por parte de este muchacho de hablar como si lo que estuviera diciendo fuera de una terrible y profunda importancia, su tono de voz, sus gestos y su mirada se acercan más a una documental con tintes ambientalistas, o a un reality que se base en la búsqueda de un órgano para alguna niña en problemas. Algo así muy "Ser Urbano" tipo te clavo el cuchillo del dolor ajeno en el medio de los ojos y ahora a ver si sos capaz de seguir comiendo tu Ferrero Rocher y pitando tu larga pipa con tabacos extranjeros mientras la estufa te adormece en el sillón preferido de tu gran vida. Clascista insensible y anti-solidario.

Algo así entonces, es la mirada de perro mojado de Nicolás Pauls mientras conduce "Elepé". Fuera de esto, el programa parece tener sólidas bases en su producción y viene a engrosar la grilla de un canal estatal que hasta hace poco tiempo no valía la pena que existiese y hoy, tiene grandes propuestas, en humor, música, literatura y otras cosillas.

"Elepe" se emite los Miércoles a partir de las 23 Hs. por "Canal 7 de Argentina" y se lo puede encontrar en Taringa, más específicamente aquí: taringa.net/elepe/

Ficha Técnica:

Programa: "Elepé, discos clásicos de Rock"
Canal: Siete
Dia y horario: Miércoles, 23 hs
Estreno: Miércoles 7 de mayo
Conducción: Nicolás Pauls
Guión: Eduardo Berti
Dirección: Javier Figueras
Producción periodística: Marcelo Fernández Bitar
Produccion General: Lisandro Ruiz

Ah! Me olvidaba aquí pueden bajarse "El Amor después del Amor" el disco en cuestión.

PRIMER PROGRAMA CICLO 2008

2008-05-06T19:33:00.004-03:00

Desde el año pasado comenzamos con Cristian un engendro extraño, una mezcla imprecisa de música y palabras. Todo junto y batido sin lógica, se convirtió primero en este blog y luego en un programa de radio al que bautizamos "El Club de la Serpiente", por ese asunto de Oliveira juntándose con sus amigotes en un barrio parisino a beber vodka y a girar discos.

Pasó un año de este extraño proyecto. Extraño porque si bien con Cristian hacemos radio juntos desde hace algunos años, esto intentaba ser un programa distinto. Despojado, sin secciones, sin agendas, sin críticas. Sólo música y palabras que intentaran describir de alguna forma aquello que la música disparaba desde sus trincheras emocionales y contra nuestros estados de ánimo.

Al final fue quedando una criatura rara, independiente, que se siente como quiere sentirse. A veces feliz y otras un desperdicio nuclear. En ocasiones triste y molesta y en otras empalagosa y agobiante.

Sin embargo estamos felices con nuestro pequeña nave etérica y queremos compartirla con ustedes. "El Club de la Serpiente" sale todos los Lunes de 22 a 00 Hs. y se transmite por FM UTN 94.5 en Mendoza, y también se retransmite por la 89.7 FM DeRock en Mar del Plata.

Algunos cambios con respecto a la primer temporada son la aparición de Cristián Venter al aire y el cambio de operador, ahora nos trajeron uno que se toma muy en serio. La cerveza.

El programa comenzó hace ya varias semanas, sin demasiadas explicaciones, recién hoy posteamos la primera emisión del ciclo 2008 de "El Club de la Serpiente".

El servicio que usamos para subir el programa es Zshare. Lo cual te permite descargar los bloques (son 4, de 30 minutos y con un peso aproximado de 40 megas) o bien escucharlo en streaming, o sea, on-line.

Vos decidís. Ahora si, los links a cada uno de los bloques. Gracias che.

Bloque 1 Bloque 2 Bloque 3 Bloque 4

TAPE - LUMINARIUM

2008-05-06T13:01:00.004-03:00

Otra vez por suerte!!! Vuelven al estudio como trío electroacústico los suecos conformados por los hermanos Andreas y Johan Berthling y Tomas Hallonsten. El trabajo lo bautizaron como "Luminarium" y es algo así como el sonido del pasado unido al presente por intermedio de la velocidad de la luz. Es como soñar los mismos sueños que persisten en el espacio tiempo inmortal pero sintiéndolos como propios sin saber que millones de seres y animales atraviesan esas mismas praderas oníricas. Invocar añejos tiempos en diferentes lugares codeándose uno al lado del otro, como pidiendo permiso en ese amontonamiento, sin darse cuenta de son espejos universales de un sentimiento. Ese anhelo de querer vivir a pesar de todo lo que nos rodea en forma de pensamientos de arquitectos de malísima calidad, el deslizarnos a través de la imagen del renacimiento de la luz del alba matinal, el dorado fulminante del sol al mediodía justo sobre nuestro tercer ojo, la juventud interna que no conoce edades y todo lo vuelve color carne rosada a pesar de estar rodeado de paredes y no abedules. "Luminarum" es un paso gigantesco hacia adelante, hacia un futuro que marca una evolución increíble de la banda, reuniendo una colección de canciones instrumentales en su mayor parte lacónicas atestadas de atmósferas perpetuas, con matices electrónicos insólitamente misteriosos y con melodías que sobrevuelan lo innominable. Una mención especial merece la apertura del disco con el track "Beams" (Rayos) y es precisamente eso hacen emitir rayos melancólicos a las guitarras con sonidos que jamás escuché, ese entre cruzamientos de slides en las guitarras es único, como la frecuencia que utilizan las ballenas, esa iluminación del océano acústico, una significativa sensibilidad imaginaria. Esporádicamente nos sorprenden con una sonrisa estribillos armónicos realizados por baterías y organos. 'Moth Wings' (alas de polilla) la electrónica aparece con mayor peso siempre dentro de ese levitación espacio temporal que mantiene TAPE en todo momento, donde todo está volando, flotando, crean una bella enramada de interferencia digital con excelsas guitarras acústicas donde se forma una sinérgia cuasi de pareja inmortal. "Fingers" directamente realiza a través de una auto hipnosis del cerebro del oyente un rasgueo de nuestras neuronas, algo así como que los dedos los vemos ingresar en nuestra mente y empiezan a generar sonidos místicos, el meneo de la cabeza al son del finger es algo inevitable. Sólo pasaron tres tracks y es como que encontré un amigo de viaje, no puedo dejar de repetirlos, el proceso se a iniciado. Se a generado el estándar "TAPE". En "Dripstone" lo orgánico si mistura con cierto primitivismo, un downbeat en el piano y acordes con oscilaciones analógicas hacen la melodía más implícita que explícita. En "Parade" se torna todo más épico donde pareciera que se unió el ejército de salvación por la defensa de los animales empetrolados gracias a los países desesperados por mantener sus parques automotores e industrias de alto colesterol junto con la banda Sigur Ros, donde hacen una lección de post rock clásico. Y como para finalizar esta humilde reseña se me ocurrió realizar una encuesta para que opinen que estilo de música hacen estos increíbles suecos. Si vos tenés la verdad, estamos ansiosos por las respuestas.

Track:

1-Beams
2-Moth wings
3-Fingers
4-Reperto
5-Mystery Mutiny
6-Dripstone
7-Altamira
8-Parade
9-lluminations
10-Beams out

Qué coño es esto tan alucinante?
Tape – Luminarium

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LUKID - ONANDON

2008-04-30T16:22:00.004-03:00

Track:
1. LUKID : A Smart Girl 02:36
2. LUKID : Piano nono 04:16
3. LUKID : Wake Up 05:46
4. LUKID : The Now 04:48
5. LUKID : Isis 05:25
6. LUKID : On and On 03:30
7. LUKID : Fela 04:18
8. LUKID : Western Swing 04:06
9. LUKID : Wonder Years 04:22
10. LUKID : Light Up 04:05
11. LUKID : When The Sun Shone 03:17

LUKID - ONANDON
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JIM O'ROURKE, AKIRA SAKATA & YOSHIMI - Hagyo

2008-04-22T12:45:00.003-03:00

Tres referentes indiscutidos de la escena del jazz experimental, de las improvisaciones que bordean el abismo de los convencionalismos, Jim O´Rourke (Sonic Youth, Loose Fur), Akira Sakata (maestro del saxo alto) y Yoshimi (baterista y único miembro femenino de los desquiciados Boredoms). Este trabajo es el cuarto que graban en vivo 2006 y lo produjo integramente O´Rourke. En cada track dejan volar libremente cada instrumento produciendo ambientes atmosféricos únicos.
Una mención aparte merecen las voces escurridizas de Sakata y de Yoshimi que aparecen en distintos momentos del álbum, a veces gritos primales que nos retrotraen a la guerra del fuego y pareciera que estamos caminando en una pradera virgen donde con palos comenzamos la caza futura.

Tracks:
1. Dancing Sea Lions
2. A Vessel on Foggy Night
3. Hagyo- Hukuwa-Uchi
4. Water Pipes Burst in the Cold Weather
5. Mother and Who?

Volá con el mejor avant garde JIM O'ROURKE, AKIRA SAKATA & YOSHIMI - Hagyo
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LAS NUEVAS

2008-04-21T19:03:00.001-03:00

Cuando lo nuevo se convierte en una obsesión que te lleva a olvidar y sepultar bajo toneladas de información las cosas que antes construían tu particular forma de observar y entender la realidad. Significa entonces que ha llegado el momento en que apagar la computadora puede ser una buena decisión.

REGRESO A LA FRÍA MONTAÑA

2008-04-21T13:04:00.004-03:00

Gracias. Gracias hacen los monos. Que andan colgados de las ramas y en Bariloche se le dice rama ramita al cigarrillo de marihuana que se fuman los pibes en las plazas y los viejos escondidos en el baño de su casa también rolan la tila para hacerla humo mientras su mujer mira la novela de la tarde y ellos se masturban y ponen los deditos así- así para no quemarse. Rascarse el ombligo tirado panza arriba mirando el techo de la habitación mientras afuera la noche sigue llenando las orejas de los insomnes con raros coches y eructos de placer bolichero y las esquinas se abrazan por los hombros para no caerse y le vomitan el patio con geranios a la vieja del perro salchicha. Caramba los nenes que se beben la respiración de las nenas en un baile desarmado y oloroso. Caramba con el ruido que hacen las máscaras al caer y el lento de agudeza que se queda juntando los pedazos y se pregunta de dónde mierda salieron tantos disfraces y porque a mi nunca me avisaron que la cosa se hacía así.

Clavando la botella de cerveza rota en la nuca del que se despide.

John Butcher - The Geometry of Sentiment

2008-04-18T12:14:00.003-03:00

Ultimo trabajo solista de John Butcher que te hará estremecer la columna vertebral con su saxo enajenado de toda ortodoxia. Los primeros dos tracks de la geometría: First Zizoku y Second Zizoku los interpretó en el museo de piedra de Oya en Japón donde se produce un espacio de resonancia que dicen los entendidos es único e imposible de re crearlo artificialmente. En estos dos tracks Butcher realiza un increíble manejo de los ecos devueltos por las piedras como si fuesen espejos sonoros o espíritus bipolares o mimos exactos de las frecuencias vivas emitidas por el saxo. Es el momento mágico donde despierta los espíritus de los dragones que están dentro de las piedras y ellas al ser las raíces de la montaña, generan una especie de estremecimiento tectónico que se transporta a los pulmones de Butcher.
Es la primera vez que asisto al espectáculo de escuchar un Duelo de poderes endemoniados entre un saxo y su fantasmagórico reflejo infinito, donde de repente Butcher lo ataca emitiendo un bombardeo de fuego por intermedio de su saxo y las piedras seculares responden con mayor fuerza a esta energía circular que parece no tener fin.
La caverna donde se desarrolla el duelo genera un efecto electrónico en todos los sucesos que le dan una apariencia onírica.
En varios momentos del disco Butcher hace que el saxo suene los más lejano posible al concepto que encierra el instrumento en sí, lo destroza generando sonidos de otros instrumentos y en esa fuerza que genera la deformación aparece como un super héroe dando vueltas en un espiral abismal donde todo adquiere un matiz de descontrol nervioso.
Extrañamente uno de los tracks más convencionales "But More So" es dedicada a un músico extremista como Derek Bailey, uno de los mejores guitarristas contemporáneos de la música improvisada, cuando decimos track convencional, obviamente es en el contexto de este disco porque en otros músicos sería algo radicalmente iconoclasta.
Los últimos tracks son registrados en Alemania dentro del gasómetro abandonado en Oberhausen, donde el potencial de los ecos son más altos que los del museo de piedra de oya y pareciera que está todo confeccionado con delay y mucha electrónica. El gasómetro de Oberhausen es un especie de cilindro gigante totalmente presurizado de 116 metro de alto y 68 metro de diametro y aquí es donde los pulmones de Butcher nos acercan un poco más al misterio de la creación.

Escucha al hombre de los mil pulmones John Butcher - The Geometry of Sentiment
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THE DRIFT - MEMORY DRAWINGS

2008-04-16T09:35:00.004-03:00

En el primer trabajo de The Drift la crítica quedó boquiabierta y comentaban que era como escuchar un renacido Miles Davis tocando una composición de Ennio Morricone.
Este cuarteto formado en San Francisco viene haciendo algo bastante heterodoxo, una mezcla de jazz con post-rock/experimental. Es un placer como pueden interactuar la guitarra, contrabajo, batería y trompeta tocando este estilo tan extraño entre post-rock y jazz.
Uno puede pensar que hay mucha improvisación por detrás The Drift pero la verdad que está todo estructurado con una precisión increíble. Los paisajes sonoros van mutando segundo a segundo con una precisión alemana.
En estos dibujos de la memoria uno si cierra los ojos en cada viaje promedio de 8 minutos de cada track, se encontrará flotando sobre films de David Lynch como Eraserhead o Carretera perdida. Un viaje en todo sentido.

THE DRIFT - MEMORY DRAWINGS
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Track:
1. If Wishes Were Like Horses
2. Uncanny Valley
3. I Had a List and I Lost It
4. Years Gone By
5. Golden Sands
6. Smoke Falls
7. Lands End
8. Floating Truth

Stefan Németh - Film

2008-04-10T15:22:00.003-03:00

Film es el primer trabajo solista de Stefan Németh miembro de Radian y Lokai y co-fundador de Mosz Records. Durante muchos años Németh a realizado trabajos para directores de cine, artistas experimentales que necesitan musicalizar sus instalacionesy varios cortos de él mismo, etc. Con Film se anima a soltarse solitariamente en el mundo cerebral y abstracto de los más oscuros sintetizadores y computadoras extasiadas por escupir loops, por envenenar sus alrededores con samples colgados, como caminantes con el cuerpo partido en dos dimensiones.
Film maneja texturas ambientales de alta complejidad, donde lo nocturno se hace cerebral, donde los destellos sonoros se convierten en explosiones sofisticadas de loops que respiran en un espacio que está siempre unos pasos más allá de nuestra realidad concreta.
Németh es una intrincada construcción avant-garde donde construye un puente de cristal entre el avant-garde jazz y el post-rock.
Vale como anécdota decir que Stefan todas las noches se calzaba sus bermudas de explorador ultra tumbas egipcias y salía a realizar grabaciones de campo con un casco con una linterna y una camioneta llena de microfonos ultra sofisticados por los lugares mas extraños de la ciudad en horas de muerte vampírica y resaca alcoholica y esto luego las re ultilizó de basamento para construir los 6 tracks de Film.
Hay muchas campanas, platillos voladores y defectos sonoros (noise) que le dan una atmósfera muy particular a la película.
Todas las formas sonoras que adquieren los tracks nos retrotraen melancólicamente a los experimentos de mediados de los 70 que realizaba Brian Eno. Donde la oscuridad para algunos se torna narcótica y adictiva. Una razón para vivir.

Stefan Németh - Film
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Triosk and Jan Jelinek - 1+1=3

2008-04-10T12:06:00.003-03:00

Triosk es un trío australiano (Sydney) formado por Laurenz Pike, Adrian Klumpes y Ben "Donny" Waples. Terriblemente prolíficos y enfocados experimentalmente en la mistura de post jazz, electrónica ambiental, post-rock y mucha improvisación al mejor estilo jazzero. Empezaron a tener más peso internacional cuando se unieron con el experto en Microhouse el berlinés Jan Jelinek (aka Farben), también reconocido como un gurú en clicks´n´cuts. El nombre del disco 1+1=3 algo así como un efecto sinérgico a nivel de energías musicales nos muestra el método de producción: Jelinek envía infinitos samples y texturas con diversos matices a la base de operaciones creativa en Sydney, Triosk (o el tridente) las mastican y juegan con ellas probándolas desde diversas perspectivas, posiciones, estados de conciencia y las usa como base para componer y grabar, para luego arrojar más archivos a la net devolviendo el material a Berlín para que Jelinek termine de perfeccionar el globo final como si fuese una especie de chicle.
La música acústica y la electrónica quedan unidos de una manera sumamente especial.
Donde hay deconstrucción jazzística extrema y vanguardista junto con esos loops mimalistas que le gustan hacer a los alemanes.
Triosk y Jelinek juegan de un modo misterioso donde todo está unido por una sutil sensibilidad para componer y complementar lo orgánico con lo analógico, la boda electrónica/acústica sobreviven como una pareja inquebrantable luego del golpe sinérgico que le otorgan los 4.
Han tomado lo que sería el jazz a escala arquetípica y luego de amasarlo como si fuese plastilina de colores flúo lo metieron dentro de una máquina del futuro, para que esas ondas que vienen del más allás captadas por las sondas de nuestros satélites sentimentales puedan llegar a creer en que si hay vida más allá de la oscuridad.

Escucháte una Jam Session Loopeada Triosk and Jan Jelinek - 1+1=3+
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Lionel Marchetti & Seijiro Murayama - "Hatali Atsalei (l'echange des yeux)"

2008-04-09T09:52:00.004-03:00

Todo gira y dá vueltas radicales en el imaginario ancestral de un ritual griego que forma un marco conceptual de apoyatura del disco, este dúo direcciona las fuerzas creativas hacia un viaje etnográfico que está colmado de bits perturbados, desquiciados, tenebrosos, como por ejemplo un perrito que ladra de modo incesante y es como un taladro mental que nadie esperaba, dado que el título del disco se traduce como "cambiar de ojos", esa es la función que hará el cd en la cabeza del oyente, le cambiará la visión con respecto al significante de lo que es la música en sí. Es un Drama, con mayúscula.

Este "Hatali Atsalei (l'echange des yeux)" está compuesto por 5 tracks que nos introducen lentamente en una nebulosa de lo que se interpreta como ritual, donde la imaginación hará gran parte de acompañante en el proceso de escucha, es una lluvia de visiones. Escenas perturbadoras de nuestra paz de rutina maquinal.

A través de cinco vestigios o tracks, ellos introducen lentamente la galaxia ritual, donde nada es lo que parece ser, donde la invocaciones de esencias está dado en la conexión que tengamos con otras dimensiones y mientras más nos zambullamos en este viaje dimensional/sonoro más cerca estaremos de los conceptos visuales que puede aspirar un Cronenberg o un Lynch. La mayoría de los elementos de la naturaleza son utilizados en esta ceremonia, gotas de agua o de líquido que caen a diferentes velocidades y con variados pesos, el crujir de un fuego fatuo, sonidos de piedras que son arrojadas ante sombras que nos generan rechazo, sombras platónicas que refleja el fuego que no debe apagarse. Murayama suplementa Marchetti y Marchetti suplementa a Murayama de modo increíble, Murayama regula varias capas de sonido de percusión pesada, sonando a veces como baterías de un pozo de petróleo que está bombeando oro negro para que los países sigan destruyéndose a través de otros sonidos más pesados, misiles teledirigidos dentro de un mundo que se comprime, se agota, vacila en un mareo final.

Para muchas personas esto más que música pareciera ser grabaciones de campo o dejar un micrófono rolando sobre distintos contextos a que salga lo que salga y después juntar todo de manera aleatoria, pero no es así, por detrás está todo estructurado, es como que hay un acto tras otro donde la coherencia aplasta al Kaos del azar pero con las mismas herramientas. Hay un enfoque milimétricamente calculado a nivel de búsqueda sonora.

Presten mucha atención a las voces de Murayama porque sus quejidos le dan un toque espeluznante, es como ver el rostro de Michael Jackson apenas amanecemos, es lo más aterrador en este mundo, ver ese rostro metamorfoseado.

Y una mención especial hay que darle al perrito que utilizan, en una primera escucha genera cierto escozor y rechazo, pero luego se convierte en adictivo, es necesario escucharlo si o sí, ladrando el micrófono, oliéndolo, gruñendo, escarbando es Alucinante.

Durante gran parte de los tracks se dedican a perforar las ondas de frecuencia. Trabajan las cortezas dejándolas con un formas afligidas, desesperanzadas. Y como no podía ser de otra manera la muerte sobrevuela con su oscuridad varios fragmentos, apareciendo y asustando como más sabe hacerlo. El complejo de persecución se maquilla en loops paranoicos donde el ritual se convierte en una compulsión hacia atrás del tiempo.

Desmaterializate con Lionel Marchetti & Seijiro Murayama - "Hatali Atsalei (l'echange des yeux)"
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FOOD - MOLECULAR GASTRONOMY

2008-03-29T12:23:00.004-03:00

El dúo Iain Ballamy y Thomas Strønen vuelven con todas las moléculas gastronómicas para hacer el sueño de todos los chefs que cocinan con sus saxos con forma de pepino.
En Noruega se cocina de modos muy particulares.
Avant-garde de lo mejor.
El año pasado recomendamos el excelente cd de Robert Wyatt - "Comicopera", los que adoraron esa belleza quedarán felices con este "Molecular Gastronomy", sin lugar a dudas.
Obviamente que un toque más experimental, el tema de los perfumes y aromas modifica nuestra percepción del sonido, nuestra postura ante un bife que se nos dibuja en el más allá, el ruido de un cartón de leche a la mañana y ahora lo vemos por tv cuando del camión cisterna de una marca conocida de lácteos, arrojan chorros y más chorros contra el asfalto caliente y húmedo.

FOOD - MOLECULAR GASTRONOMY
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SCORN - STEALTH

2008-03-28T12:49:00.005-03:00

Mick Harris regresa después de 5 años de su último trabajo y con más de 15 años de carrera sobre sus espaldas. Para los que lo conocen a Harris es una "Marca Registrada" su estilo. Mantiene una fidelidad total a ese sonido único, jugando en las fronteras de la electrónica, con esas baterías de golpes secos, áridos, desérticos, bajos monumentales donde pareciera que están tocando 10 bajos al mismo tiempo y todo decorado con drones penetrantes, tenebrosos.
Son escasos los músicos que pueden jactarse de tener un prontuario como el de Harris y ménos aún los que han marcado a toda una generación de músicos con su forma particular de hacer electrónica.
De baterías Harris la tiene más que claro y en su momento despedazaba, destrozaba, descuartizaba la bata cuando tocaba con los padres del grindcore, los Napalm Death, junto a monstruos como Justin Broadrick (Jesu, Godflesh, Techno Animal, etc), y si eso era poco para la resistencia física tocaba también en Pain Killer junto al rey del saxo surrealista John Zorn y el bajo alucinante de Bill Laswell. Con el grupo Lull jugó con los extremos del Ambient Dub con terroristas del dub industrial como Bill Laswell, James Plotkin, Robert Musso, Techno Animal, etc.
Scorn es un paradigma del Downtempo, illbient y dubstep minimalista.
Donde todo se vuelve hipnótico, el espacio temporal se torna cósmico.
El método "Scorn" (desprecio) es el manejo de la oscuridad con la lentitud de los bajos pesados y los tambores secos e inmortales.
Tracks:
1 Stripped Back Hinge
2 Rove
3 Glugged
4 Running Rig
5 Snag
6 The Palomar
7 Enough To Hold Bottom
8 1.75 TC

Conocé a un maestro de la oscuridad ritmica SCORN - STEALTH
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Baltic Fleet - Baltic Fleet

2008-03-25T17:46:00.004-03:00

AKA Paul Fleming hace su debut en este 2008 extraño y tenebroso por donde se lo mire con la banda Baltic Fleet. Fué (y seguirá?, nadie lo sabe) el tecladista de los Echo and the Bunnymen en el útimo tour mundial, Paul Fleming comenzó a escribir los primeros bosquejos de este trabajo mientras recorría todo el planeta y lo que queda de él. Con su inseparable laptop (en algunos casos ya es como un perro para algunos) y otros instrumentos que agarraba en todo momento de los que utilizaban los Bunnymen, capturaba la idiosincracia de cada recodo visitado en los lugares más extraños, Texas con los fantasmas guerreros de Gaga Bush, Barcelona con su agrande cosmopolita, Berlín con sus personajes helados y maquinales, Islandia con cubitos de hielo al estilo Bjork pero sin ojos tan oblicuos. Habitaciones de hoteles de todo tipo, buses con todas sus incomodidades, planes que no se cumplian a rajatabla, sesiones en radios con altas temperaturas, todo era factible para que la esponja musical de Fleming lo absorbiera y los convirtiese en notas. En su música hay fuertes influencias de artistas y bandas como Eno, NEU!, Sigur Ros y algo de DJ Shadow. Escrito ,producido y arreglado totalmente por Paul, el album tiene contribuciones de Simon Finley en Batería, Will Sergeant ( Bunnymen) en guitarras y Pete Wilkinson en bajo.
Track:

1. Baltic Intro

2. Black Lounge

3. 3 Dollar Dress

4. Castellon Theme

5. 48 Hour Drive (Boston)

6. Reykjavik Promise

7. Pebble Shore

8. Double Door

9. Red Skies And Factories

10. Hammer Blow

11. Berlin 8mm Deep

12. To Chicago

13. Design

Esto no tiene nada que ver con los Bunnymen Baltic Fleet - Baltic Fleet
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GREGOR SAMSA - REST

2008-03-20T16:07:00.004-03:00

En los siete años de carrera este es el tercer trabajo de la banda. Gregor Samsa toma un nuevo enfoque en el proceso de composición y todo lo referido a la instrumentación.
El resultado de este viraje de la banda se denomia REST; nueve joyas que pulieron como orfebres translúcidos, donde todo está impregnado por transparencia, por un vacío de minimalismo que nos eriza la piel, de tanto sentimiento junto, avasalla en belleza etérea.
La instrumentación que utilizan es mínima y netamente clásica donde mutilan y manipulan los instrumentos como clarinetes, vibráfono, piano y voces gigantes.
Las guitarras que trabajos anteriores llevaban cierta delantera ahora quedó aplastada por el piano Bösendorfer, esos pianos que si los mirás detenidamente te dan ganas de mirar por debajo a ver si no está Mozart acurrucado y sonriendo con cara de enajenado.
Todos estos cambios van encolumnados y haciendo focus en la armonía total, la utilización de tonos débiles cubren los 9 tracks.
Uno podría decir que los Gregor Samsa dejaron de ser ellos y la verdad que no, hay una refinación total del sonido y un crecimiento que pocos grupos pueden demostrar de manera tan manifiesta y con tanta claridad o transparencia de Sentido vital.
Hay un manejo magnífico de lo masculino/femenino en el manejo donde las cuerdas se impregnan de sentimientos y realizan mutaciones encantadoras, haciendo cada composición irresistiblemente hermosas. Los Gregor Samsa ahora son 12 y eso se percibe sobremanera. Las canciones muchisimo más complejas y la instrumentación más variada.
Durante todo el disco como que sentimos o percibimos que en cualquier momento algo va a estallar, pero no es así, han optado siempre la idea de tener todo agarrado por todos lados, donde si o sí, el minimalismo tiene que ser fiel a su etimología musical y por nada del mundo se traicionaran en su filosofía de percibir los sonidos.
Esto puede ser algo tan simple como la coherencia.
Los tambores, las cuerdas, la deformación sutil, los pianos, bajos y guitarras ( hablamos en plural porque ante una primera escucha hasta se puede sentir que hay un solo instrumento) todos ellos han sido METAMORFOSEADOS por Gregor Samsa para engatusarnos, ya que en la construcción y amontonamientos de tantos instrumentos y sonidos no perceptibles y vocales acompañando pareciera que todo es UNO.
Y cuando el oyente percibe que algo sucederá ineluctablemente, nada sucede. Las canciones están construidas sobre la cúspide, en lo alto el salto pidiendo algo más puede ser peligroso, arriesgado, mortal, incoherente.
Y durante todo el disco sucede y nos atraviesa las misma sensación de vértigo, de estar a 7000 metros donde la quietud puede hacernos deslizarnos sobre un desfiladero mortal o tal vez ser llevados en la idea de una nube infinita donde solo hay que dejarse llevar por la significación del Nirvana.
Pasión.
Por último, no hay mejor nombre como el que seleccionaron “REST”

Track:

1. The Adolescent
2. Ain Leuh
3. Abutting, Dismantling
4. Company
5. Jeroen Van Aken
6. Rendered Yards
7. Pseudonyms
8. First Mile, Last Mile
9. Du Meine Leise

Kafka lo hizo GREGOR SAMSA - REST
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EL MOSTRADOR

2008-03-16T20:10:00.005-03:00

La forma que tenían de mirarse anticipaba los acontecimientos. Digamos que no era necesario ser un gran observador para darse cuenta que los chicos querían cojer. Y que probablemente lo venían haciendo desde hace mucho tiempo. Ella se contoneaba frente al mostrador como si fuera una serpiente drogada, era quizá, demasiado ruidosa. Él, haciendo como que nada pasaba, prefería limpiar la superficie pegajosa de su mostrador con un trapo más pegajoso aun, lo que resultaba en una mierda chiclosa que se adhería al fondo de los vasos de los pocos clientes que se animaban a sentarse a beber en ese barsucho de cuarta. El mostrador desprendía, por ende, un particular olorcito a culo, típico de las rejillas o trapos mal lavados. Algunas lavandinas también ostentan ese secreto aroma. Esta indiferencia por parte del tipo que limpiaba el mostrador, parecía excitarla aun más a la minita-serpiente que cada tanto y sin importarle demasiado si el tipo o algún otro borrachín la miraba, le pasaba la lengua al mostrador, se metía el dedo índice en la boca y se tocaba las tetas, atrapadas en un topcito violeta a punto de explotar. Por todos lados. Todo esto al mismo tiempo, mientras tragaba cerveza como una loba. Y no era precisamente Valeria Lynch. Podría haber sonado cumbia en el barsucho de cuarta, como para darle más color a la situación pero no, lo que sonaba desde un doblecasetera marca Aurora Grunding, era un casette BASF cinta de cromo cobalto, ya medio hecho bosta, con grabaciones de Coltrane y Davis hechas de alguna radio, en algún momento, por vaya uno a a saber quién. Al tipo de la rejilla le gustaba esa música, le hacía bien la trompeta cíclica, sentía que podía mantener un diálogo importante con el resto del mundo si se dejaba llevar por la trompetita y su matemático ritmo. Para su opinión el piano y los demás instrumentos estaban de más. El con la trompeta era feliz, se tranquilizaba y podía soportar, de vez en cuando, cojerse a la puta de Cristina que no paraba de moverse frente a su mostrador. Para qué mierda me hace todo este circo berreta, si sabe que vamos a cojer lo mismo. Si ni ella tiene a otro, ni yo soy capaz de conseguir a otra. Los dos estamos demasiado cansados. Viejos. Y después de todo, esto es lo más parecido al amor que nos puede pasar. Las horas se hundian como el Belgrano en la guerra de Malvinas y Cristina ya no se movía tanto, la cerveza la había atontado y el tabaco le había puesto la cabeza como una pelota de fútbol. Estaba sentada en un taburete de madera que tenía el tapizado hecho pelota. Alguna vez había sido un buen taburete de color verde, con esos cueros caros de comedores lujosos. Pero hoy era una mierda conseguida en un remate, el "Hotel Rayentray" se había fundido y la gente había comprado por dos mangos, camas de tres plazas, copas de cristal y taburetes con cuero verde lujoso. Ahí estaba ella, apoyando su alma mientras el hígado se le hacía cada vez más chiquito. La noche pedía espacio entre los codos de los borrachos que se dejaban morir de a poco en ese barsucho de cuarta. El tipo detrás del mostrador seguía dando vueltas al casette. Los amigos se extrañan en las tardes. Cuando el sol se cae lento detrás del paredón del patio y yo imagino historias de países que no conozco. El pasado se hace espacio entre los vasos y me siento un poco triste. Esto me pasa a veces. Cuando termina la tarde. La trompeta se metía sin pedir permiso y marcaba el tiempo y decidia las vidas. Cristina ya estaba colocada, pero no aflojaba en su deseo, seguía metiéndose mano cada tanto y lo miraba con ojos húmedos a ese extraño tipo, que daba vueltas el mismo casette durante toda la tarde. Cuánto tiempo más voy a tener que hacerme la puta para que el gil este me lleve a la cama. Ya estoy vieja para seguir con este circo berreta. Ni el podría conseguir a otra, ni yo podría irme con otro. Además esto es lo más parecido al amor que vamos a conseguir. Ya era noche cerrada en cada rincón del barsucho. Cristina estaba lista para caerse del taburete y romperse la cara contra el piso. El tipo ya no daba vueltas el casette. No quedaban más que ellos dos en el lugar. Crisitina entonces lo mira, perdida, ausente. Casi mágica. El da la vuelta al mostrador, va hacia la puerta y la cierra con llave, baja la persiana de metal, apaga casi todas las luces. Se acerca a Cristina, le acaricia el pelo, la observa unos minutos, le saca el vaso a medias con cerveza de su mano y pasa su brazo por debajo del brazo de ella. La rodea con sus años, la levanta. La salva. Ella se deja llevar, pesada, deforme. Él camina despacio hacia el fondo del lugar, hay muy poca luz. Los dos cuerpos se pierden detrás de una puerta. Juntos, en un ritual que se repetirá hasta que alguno de los dos desaparezca y entonces el otro, perdiendo el sentido, ya sin rumbo, se deje atropellar por la muerte para irse detrás del que se fue primero. En los noticieros, a esto, le llaman amor.

TIEMPO

2008-03-15T12:29:00.001-02:00

Se lo quito a Rain y se los traigo a ustedes. Es el tiempo. Que siempre pasa.

Freida Abtan - Subtle Movements

2008-03-14T14:05:00.005-02:00

La música de Freida Abtan es una especie de película extraña atravesada por infinitos acertijos metafísicos y acontecimientos invisibles de otras realidades lejanas. Contenido en un tiempo congelado o estático donde hilos invisibles y caleidoscópicos adquieren infinitas formas y proporciones extraordinarias. Abtan con su sutil modo de hilar los sonidos crea un impresionante mundo fantasmagórico que llega a aterrorizar.

Los sonidos de Abtan son mágicos y transportan a mundos particulares, únicos.

Desde el principio del disco todo es sumamente orgánico, sonando no tanto como música propiamente dicha sino como aventuras registradas por investigadores de efectos paranormales, donde todo adquiere un matiz esotérico, de frontera, limítrofe, donde los laberintos son verticales, descienden cada vez a más profundidad, donde cada etapa es una caverna oscura y barnizada por todo tipo de obsesiones, respuestas contradictorias, los senderos, las salidas, se suceden y no detienen su marcha o caída.

El Título del álbum “Subtle Movements” nos otorga todo el viaje de ruta de lo que vendrá, donde todo está bajo un manto de secretos, arcanos, sentimientos disimulados, ocultados, velados.

Los espectros están protegidos por un tenue velo de electricidad e interferencia para que “no” tomen radicalmente el espíritu del oyente.

Abtan ritualiza los movimientos sutiles, captura los rituales megalómanos de un chamán eléctrico, perturbando el aire con confesiones atormentadas, dando así vida hasta lo más imperceptible.

Los movimientos sutiles se subdividen en 12 pócimas hechizadas y de duraciones desiguales, y un track:"Shimmer and Dissolve", de una duración superior a los 20 minutos.

Pero todos los tracks como si fuesen ritos de iniciación aunque duren 1 minuto, se bancan perfectamente y sin chistar la duración de 20 minutos de "Shimmer and Dissolve", en definitiva todo un desafío cumplido en la cruzada espiritual con los fantasmas eléctricos de la interferencia interestelar.

Y como para que algunos no queden espantados, todos los tracks son Abstracciones totales de mundos paralelos, así que vayan preparándose para lo que pueden escuchar y sino recorran los nombres de los tracks, para ver que calzados u oídos se pondrán para la travesía en el desierto helado de cabellos coloreados y químicos de una niña encerrada en un cuerpo de esquizofrénica.

Tracks:

1. Lightness and Weight
2. Creeping Ivy
3. Works and Days of Hands
4. Manifold
5. Cackles of My Heart
6. Hereditary Disorder
7. Act of Repetition
8. Electric Smudge
9. Yellow Fingers
10. Shimmer and Dissolve
11. Even Small Things Break (Into Smaller Things)
12. Carnival Lights

Hay laberintos que son de caída libre Freida Abtan - Subtle Movements
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ÚLTIMOS ASADOS ANTES DEL INVIERNO

2008-03-13T20:12:00.004-02:00

La cosa es más o menos así. Tomamos cerveza y tiramos troncos al hueco oscuro de la parrilla. Venter sopla los troncos y el fuego se queja con un zumbido dudoso. Crepitar le dicen. Tiramos hacia arriba el anillo metálico de nuestras latas de cerveza y escuchamos el psssfff que hacen, sin dejar de mirar el agujerito por donde sale el líquido y nos metemos más cerveza en el cuerpo. Las latas se terminan y Venter pregunta dónde conseguir más. Le paso unos envases de vidrio y sale a la esquina y compra más cerveza. Le pido que, ya que está, me compre puchos. Trae todo y seguimos tomando. Fumamos, yo Camel, él Parliament. Siempre me acuerdo aquello de "con su exclusiva boquilla filtrónica". Las llamas ahora son relativamente importantes y decidimos que ya está bien y que podemos poner la carne en la parrilla. Le cuento lo que compré. Tiramos entonces la carne sobre la parrilla. Mi mujer anda de acá para allá, acomodando. A veces se sienta a leer. A veces prende la tele. A veces prepara lechuga y tomate. A veces charla con nosotros. Venter nos cuenta de su nueva casa. La que le alquiló a Snake. Parece que hay que podar el patio porque no se puede pasar de la cantidad de ramaje que lo inunda. Le cuento la secuencia del otro día cuando una camioneta F-100 pasó a todo lo que da por la calle antes de que yo la cruzara, la camioneta iba con la caja llena de ramas y pasa por una protuberancia asfáltica y se le caé algo. Yo esperé que los autos pasen y fui y me fijé y era una tijera de esas para podar. La guardé en el bolso y me dije que para qué mierda la estaba guardando si yo no tengo un carajo que podar. Venter me dice que su misión ahora se ha revelado. La misión de la tijera obvio. Mirá vos. Hablamos de cosas varias y miramos la carne cocinarse. Seguimos tomando cerveza y yo abro el vino y lo pongo en el decanter-del-alquimista que me regaló mi mujer para mi cumpleaños. Para qué sirve eso, pregunta Venter. Le invento algo pero no queda demasiado conforme. No estoy muy lúcido últimamente. Ya está la carne lista. Mi mujer prepara la mesa en el patio y comemos y hablamos de cosas y de más cosas y de la vida también. Contamos historias, yo vuelvo a contar la del tipo que muere frente a mi en esa mañana de viernes en la que había comprado "Tokio Blues" y de regalo para ella "Abrigo" de Claudia Masin. Terminamos. Comimos carne de vaca y de cerdo. Chorizos y morcillas. Tomamos vino y ahora fumamos un poco de tila que yo tenía guardada en una lata. Mi mujer se va a dormir temprano y con Venter ponemos música. Después de todo para eso nos habíamos juntado. Me dice que me prepare, que la música que vamos a escuchar es de muertos y brujos y sonidos de la matemática pura. Veremos digo yo. Y si. Es así. Música narcótica-hipnótica-demencial-inquietante. Mujeres que lloran y agonizan notas. Ruiditos psicópatas. Quiebres y atómos que estallan en concordante vibración con vaya uno a saber que carajo. Máquinas perfectas para destrozar el cotidiano. Y la conclusión de la noche. Hay que ser estoico. Por que la vida es un ponerse y sacarse máscaras. Un exigir y un entregar. Un celar la cosificación de la propiedad privada. Entonces le cuento a Venter que cuando duermo, después de follar con mi mujer, pero no mientras duermo, más bien antes. Cuando separamos los cuerpos y ella se duerme apoyada en mi pecho, si, tal cual una escena de la Familia Ingalls, pero de esas escenas que jamás vimos porque sucedían dentro de la habitación de Charles. Bueno, cuestión que ella se duerme y yo quedo boca arriba, mirando el techo. En silencio, con poca intensidad de luz. Y entonces sí, me siento por completo libre, tranquilo, suelto, liviano, casi flotante. Y pienso, pero pienso de verdad, con profundidad y perspectiva, me dejo llevar por una sensación muy agradable, el ejercicio de recordar va de un lado a otro pero de forma suave. En ese momento disfruto más que nunca de la vida y el sentido de la existencia, disfruto pensar sin sentido, recordar con precisión detalles de mi infancia. Mirarla a ella dormir y amarla en silencio y a escondidas. Estoy como drogado, pero limpio, sin miedo a la resaca. Le cuento esto a Venter y me dice que eso se llama estoicismo y que de poder vivir así todo el día seríamos felices. Habrá que intentarlo, le digo yo. Seguimos fumando un par de tabacos más. Los discos giran implacables, suenan profundos y desgarradores golpes. También suena Jazz. Hablamos poco, la noche ya está instalada y las palabras sobran o simplemente no las encontramos. Siguen un rato más los discos. Después me duermo sobre un sillón. Atrapado por la música. Venter me despierta y me dice que llamó un taxi y que se va a su casa. Son las tres de la mañana. Me levanto del sillón un poco atontado por el sueño. Ordeno un par de cosas. Tiro las cenizas, lavo los vasos y limpio la mesa con una rejilla con Poett. Afuera en la calle suena una bocina y se ven unas luces que despiertan un poco la noche. Abro la puerta y Venter se despide con un abrazo. Sube al taxi y logró ver que le dice algo al conductor mientras mete la mano izquierda dentro de su bolso. Cierro la puerta y cierro con llave también. Apago luces y busco una botella con agua para llevarme a la habitación. Subo la escalera. Fue un buen asado.

HISTORIAS HAY MUCHAS

2008-03-13T20:05:00.003-02:00

Excelente síntesis de Arbitrario.

JARBOE / JUSTIN K. BROADRICK - J2

2008-03-11T17:51:00.006-02:00

Por fin podemos escuchar algo así como un matrimonio extremista, okupas de los límites, adictos a lo desconocido. Jarboe (ex Swans) y Justin Broadrick ( Napalm Death, Techno Animal, Godflesh, Jesu) .
Si hay algo que caracteriza este J2 es la fuerza arrolladora, pero a nivel creativo. Hay que tomarse un tiempo de atención especial para comprender cabalmente lo que es este disco.
No hay nada de metal, como algunos pueden llegar a imaginarse, sino que es una mezcla de ambient progresivo donde en algunos casos pareciera que Jarboe está cantando una opera y Justin K. Broadrick con su guitarra va abriendo la tierra generando un abismo para que avance la voz.
Todo el trabajo presenta el famoso efecto "fuera de foco" y el caos se hace presente para estabilizar nuestro inestable contexto moderno.
Varios tracks también generan una estado similar al action painting, al estilo Pollock donde mojaba la brocha y empezaba a tirar pintura sobre las telas gigantes esparcidas en el piso mientras bebía unos buenos tragos, esta analogía es totalmente viable con respecto a J2.
Jarboe arroja voces al universo de las formas mas extrañas, enloquecidas como en "Tribal Limo" y Broadrick hace tiempo que viene desgarrando telas auditivas conservadoras generando una extraña adicción a sus guitarras hipnóticas, subliminales.
Si hay algo distintivo en J2 es que apuntan exclusivamente a la vanguardia total y los seguidores de los trabajos de Jarboe y de Broadrick por separado estarán más que felices.

Track:
01. "Decay"
02. "Let Go"
03. "Magicgrl"
04. "Romp"
05. "Tribal Limo"
06. "8mmsweetbitter"

Experimentá, viví: JARBOE / JUSTIN K. BROADRICK - J2
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chris watson - oceanus pacificus

2008-03-06T16:17:00.003-02:00

Chris Watson vuelve a Touch con "Oceanus Pacificus". Un tipo que se a especializado en grabar en vivo y directo diferentes efectos de la natura y no tanto a veces. En este caso el viaje es en la Islas Galápagos donde hace dos grabaciones de la corriente de Humboldt en profundidades de 3 a 10 metros. Los dos temas, si se los puede llamar así son muy cortos y podemos apreciar lo que un oído normal no captaría estando a esa profundidad. Es el sonido de la corriente donde a mayor profundidad presenta un incremento en frecuencia de ondas. A los 10 metros el sonido muta en gama de ondas oscuras. Es como que Watson hizo un corte en profundidad oceánica o femenina o sentimental y nos trae a la superficie el resultado. Es como un corte en ser viviente. La energía que transmite la corriente es movimiento infinito en sí mismo mientras el ser humano no se mande un final de película Sci Fi, como tanto le gusta a Hollywood. Watson se a fijado como objetivo de trabajo, intentar que el común de las personas pueda captar el sonido de la vida oculto por detrás de la palabra, que en una persona de ciudad sólo puede ser algo de otra época, de otro espacio, de otro mundo. Y muchas veces conocemos sonidos de la naturaleza procesados por máquinas y computers y en nuestra memoria sónica queda ese reflejo incorrecto de la realidad. Cuestión que está muy lejos de los latidos reales que hay dentro de cada manifestación Natural.
Ahora los dejo porque me voy a la bañadera a escuchar 10m y espero que me entre la escafandra.

Tracks:
1. 3m
2. 10m

Convertite en un Caballito de Mar chris watson - oceanus pacificus
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FRANK BRETSCHNEIDER - RHYTHM

2008-03-06T11:15:00.005-02:00

Es indudable que el sello Raster Noton genera la vanguardia total en experimentación electroacústica, nombres al azar: Alva Noto, Carsten Nicolai, Mika Vainio, Ryuichi Sakamoto, Ryoji Ikeda, Byetone, etc.
Frank Bretschneider es un explorador de las frecuencias ultra bajas, esos tipos de rostro amenazador que están en otra dimensión experimentando con las fronteras del minimal.
Como varios de sus socios de Raster Noton realizan instalaciones especiales para interactuar innovadoramente entre sonido e imagen. Desde el 2002 que Bretschneider no publicaba un disco, en ese año había sacado "Balance" en conjunto con Taylor Deupree.
En los 9 tracks de "Rhythm", Bretschneider realiza un estudio sobre los modelos de percusión analógica, misturando pulso vital con máquinas y en ese batido surgen ritmos arquetípicos mezclados en el espacio temporal.
La maniobra analógica y delicada que hace en "We Can Remember It For You Wholesale", es como que comprime o aplasta en una unidad rítmica lo que puede ser considerado como Funk y sin motivos aparentes comienza tú cuerpo a tambalearse al ritmo mínimo pero a la vez infinito.
En los tracks "Construction Shack" y "All Summer In A Day" nos brinda una clase magistral de lo que se puede lograr con recursos limitados, aparece toda su genialidad creativa.
Un trabajo altamente recomendado para fans de Alva Noto, SND y Sleeparchive.
Tracks:
01 A Soft Throbbing Of Time
02 The Big Black And White Game
03 We Can Remember It For You Wholesale
04 The Eight Day People
05 Other Days, Other Eyes
06 Construction Shack
07 The Moon Is A Hole In The Sky
08 All Summer In A Day
09 The October Game

Minimalizate FRANK BRETSCHNEIDER - RHYTHM
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Herbst9 / Z'Ev - Through Bleak Landscapes

2008-03-05T15:05:00.003-02:00

Los más oscuros sonidos de las cavernas lovecraftianas se hacen realidad, Cthulhu revive a través del Dark Ambiental. Herbst9 extrae muertos vivientes de la galera cósmica anacrónica. Todos los sonidos étnico/rituales. Varios miembros de la secta Mungiki, decapitan a cientos de personas mientras siguen el ritmo. Las cabezas aparecen a cientos de metros de los cuerpos. Rechazan el colonialismo. Encierran a familias en sus casas y las rocían con petróleo. En Kenia no importa la cotización mundial del oro negro. Un brujo industrial llamado por las masas como Z'Ev (Stefan Joel Weisser), místico del código binario, juega con los ritmos que han creado en base al "catacoustic" el estudio de los reflejos de las ondas de sonido. El Chamán Z'Ev hace durante décadas viajes astrales para especializarse en Avant-garde y noise circular.
Cuando Tower Records comienza a vender "Through Bleak Landscapes" en Ciudad Juárez (Chihuahua), numerosas mujeres empezaron a desaparecer siendo encontradas luego asesinadas. El FBI comenzó a investigar las ondas que emite el disco.
Volviendo al disco. Excelente ambient de lo más oscuro y a la vez adictivo. No es para cualquiera.

Tracks:
1. Downward
2. Sector 3214
3. Reinvigorated [maschinenkult Pt 1]
4. Awakening Of The Soulless
5. Steel Vs Flesh
6. Life Crawls Back
7. Through Bleak Landscapes
8. Hypnophobia [downward Pt 2]
9. Enshrinement [maschinenkult Pt 2]
10. Coming Into Power

Fijáte si te sale vapor de la boca en el infierno Herbst9 / Z'Ev - Through Bleak Landscapes
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Algo se mueve, Baby!!!

2008-03-04T18:14:00.003-02:00

La Nasa está detectando varias avalanchas en Marte. Avalanchas de Polvo y Hielo. Motivos?. Los científicos tienen una "?" marcada a fuego en la frente. Por el momento. Hermosas fotografías. Abstractas. Interplanetarias. Matemáticas. Asombrosas. Algo se está moviendo?. Hay algo por detrás de las fotografías. Tendremos la posibilidad de ver los sueños de Carl Sagan. Podemos despertar nuevos miedos. Aparecerá una nave. Artefacto. Desde las nubes que se deslizan por la superficie. Nos interconectaremos a través de un tornado desde el Río de la Plata o desde Monte Comán?. Por el momento. Hay una solución. La Nasa tiene una vía. Y es sacar más fotos. Continuará..........

Six Twilights - Six Twiligths

2008-03-04T15:23:00.005-02:00

Extraído de Oscar Martinez / Super45.cl (Nos pareció perfecta la reseña)

Parajes fríos, mañanas nubosas y el resplandor de un sol que intentam, a duras penas, entregar un rayo sol. Cálidas conversaciones al son de un viaje interminable, la mirada pérdida en el balcón de una tarde y el paseo intenso por las blancas corrientes de un bosque. Estas son algunas de las visiones que nos entrega el músico Aaron Gerber, para mostrarnos las fuentes de inspiración de sus creaciones, llenas de humanidad y deseo, como las imágenes fútiles de cada día, y que sin darnos cuenta son capaces de incrustarse en nuestra memoria.

La obsesión de Gerber por mostrarnos cada una de estas visuales, nos ayuda a entender su proyecto, Six Twilights, editado por el sello de Luxemburgo Own Records, otra vez llenando ese afán de entregar propuestas sólidas e íntimas, que no caen en los repetidos albores comerciales de esta época.

Este disco esta compuesto de diez canciones más un DVD, el cual muestra que tan especial puede ser lo mundano para este compositor, que nos permite el acercamiento a un mundo lleno de bríos. Sobre todo si las imágenes, están sostenidas sobre una electrónica ambient barroca, gélida hecha a base de pop de arreglos vulnerables, capaces de desgarrar con su suave melodía, a traspié en ocasiones, de un folk confesional, samples artesanales y drones eternos que descansan suavemente sobre las armoniosas voces del mismo Gerber, Liz Isenberg y Zoe Wrigth, trastocadas por líricas melancólicas, invadidas de recuerdos, sinceridad y emoción.

Composiciones que se desenvuelven con ternura y delicadeza, (‘Oak Trees Like Spray Hairs’, ‘Enclosed piece of sky’), que luchan entre la sinceridad y el dramatismo (‘Still talk’, ‘Scarf bed’), y en otras simplemente sueñan y alegran, entre la soledad y el dolor (‘Way you smile’, ‘I can’t even begin to tell you’). Cada una de estas se llena de pequeños videos interpretados a media luz de dos estaciones; desde una mañana de invierno agridulce hasta una tarde luminosa de verano donde las esperanzas resurgen.

Six Twilights es un sublime y reflexivo trabajo inspirado en recuerdos puros, rescatados casi de la agonía pero que sirven para mostrarnos que, en ocasiones, la complejidad artística o el abuso de la experimentación sirven para crear verdaderas piezas maestras.

Para escuchar dentro del Freezer Six Twilights - Six Twiligths
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VALET - NAKED ACID

2008-02-27T16:01:00.004-02:00

Si empezamos por el arte de tapa del último trabajo de Valet "Naked Acid" nos encontramos con un espacio temporal místico con varios pasajes de psicodelia. Muchas veces una tapa dice todo sobre el trabajo musical que esté dentro del envoltorio. Un gato siamés con características sobredimensionadas, acaso un felino gigante para ser adorado por vaya saber quién, nada en un océano bañado por una luna ardiente, y una Diosa, la careta de una Diosa que canta toneladas de fuerzas arquetípicas, donde los 4 elementos primigenios se manifiestan en avance y retirada a la vez.
El disco empieza con el track "We Went There", donde el clima ya se manifiesta como un viaje iniciático, campanas, tambores, miles de caracoles golpeándose gracias a la fuerza de una brisa ancestral, y una guitarra psicodélica que acompaña la voz de Honey Owens la que hace transmutar todo el espacio audible junto a Adrian Orange. Muchos drones pero que no intoxican, al contrario dan la sensación de movimientos cíclicos que le dan profundidad al sonido.
Ya en el track "Kehaar" Honey Owens continúa dando nuevos matices a su voz jugando con la idea de un canto de sirenas donde el mar atraviesa todo concepto y aquí la guitarra comienza a tener un papel avasallador.
En las pistas "Drum Movie" y "Babylon 4 Eva" su voz sólo aparece rozando las superficies seleccionando escasos puntos, un burbujeo alquímico para darle una nueva textura vital a Naked Acid.
El único track que hace utilización exclusiva de la electrónica loopeada es "Streets".
Si bien el ritmo de todos los cortes de Naked Acid son algo así como una respiración vital, la estructura global del álbum, también puede interpretarse como un gran aliento donde se realiza una "limpieza" con cada canción como el punto culminante de la exhalación.

Tomate un ácido con Bill Lee, Interzone, un gato siamés y VALET - NAKED ACID
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Vromb - Sous Hypnose

2008-02-26T15:23:00.005-02:00

Hugo Girard es un músico electrónico canadiense que a tomado como motor de creación el tema de la Hipnosis y con este último trabajo todo está simulado como distintas fases de sesiones autoinducidas con empleo de la electrónica analógica, drones, infinitas secuencias generadoras de estados alterados de conciencia. El ritmo funciona a través de los loops hipnóticos para realizar estimulaciones sensitivas y sensoriales.
Hay mucha estimulación verbal y una panorama onírico donde la búsqueda primigenia es llegar al estado de trance.
La hipnosis siempre a sido un tema de alto interés para las masas, fascinan todos los mitos que se han generado a través de estos métodos, hipnotizar a individuos sumamente estructurados por los roles a cumplir en determinada sociedad hasta convertirlos en asesinos nocturnos, en ladrones de semáforos, corredores en pelotas dentro de una cancha con 75ooo personas, suicidas.
La música de Vromb se caracteriza por su increíble delicadeza a la hora de componer donde por intermedio de secuencias electrónicas logra metamorfosear la realidad del que escucha con extrañas voces que hablan en francés lo que aumenta la sensación de experimentar estados alterados.
La música rastrea todas las grietas producidas entre la realidad consciente y las sombras del otro lado del inconsciente, donde los secretos más oscuros intentan esconderse a través de engaños paranormales. Hay que destacar que la música electrónica últimamente se está separando de manera irreversible entre música para los pies y música para la cabeza. Indudablemente esto es para darse exclusivamente con la cabeza desde un piso imaginario.
Resumiendo si se escucha atentamente Sous Hypnose pueden llegar a tener estados alterados de conciencia y es un trabajo altamente recomendado. La hipnosis es posible.

Track:

Sillonage

L'hypnose

Repose toi

Mise en marche

Accélérateur

Sirconvolution

Rencontre

Revenir

Détendez-Vous

Hipnotizate con un loop Vromb - Sous Hypnose
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ALEPH-1 (CARSTEN NICOLAI) - Aleph-1

2008-02-25T15:49:00.008-02:00

Si hay algo que excita sobremanera a la secta de maniaticos adictos a la tecnofilia es cada nuevo trabajo de Carsten Nicolai (Aka Alva Noto), es como que genera revuelo con cada invención de minimalismo abstracto deconstruyendo lo que puede ser un beat tradicional.
La diferencia de Carsten Nicolai con los músicos electrónicos tradicionales es que proviene de una generación animista donde trabajan en una dimensión de transición fronteriza entre arte y ciencia.
Como artista visual y sonoro juega con frecuencia imperceptibles de la luz y el sonido para lograr una argamasa donde todo se transmuta sin explicaciones aparentes.
Investiga las interrelaciones de intercambio entre micro y macros estructuras fusionandolas a través del azar o el caos teórico. En un mundo donde todos piensan que no queda nada por inventar, Carstein Nicolai se entretiene con la libre generación de procesos que reaccionan a toda demanda estimulada por la planificación y organización inicial pero teniendo en cuenta que todo movimiento está atravesado por caos energético.
Por lo tanto cada movimiento creativo viene interpolado exclusivamente con las reglas de la física.
El sonido es modificado y mejorado en el tiempo y el espacio para transformarlo en bucles oscilantes con generadores de tonos. Con este proceso hace que la electricidad sea audible. La energía básica comienza a ser audible.
Lo que diferencia ALEPH-1 y resulta sumamente llamativo es la presencia de un marcado elemento melódico, algo que anteriormente apenas estuvo presente en las grabaciones solitarias de Nicolai, pero tampoco hay que hacerse la idea de una melodía tradicional sino a lo Noto.
No es un disco para las masas, hay que destacar esto. Es experimentación matemática/física.

Dios juega con los beats??? ALEPH-1 (CARSTEN NICOLAI) - Aleph-1
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BYETONE / SLEEPARCHIVE / ALVA NOTO - Plastic Star Remixes

2008-02-22T16:29:00.003-02:00

Nuevo maxi (exclusivamente en vinilo) publicado por Raster-Noton, un sello ahora de moda pero descubierto y distribuido por ROTOR desde 1997 !, casi desde sus comienzos. Se trata de un adelanto del nuevo album (Death of a Typographer) del proyecto de Olaf Bender, uno de los fundadores de Raster Noton (antes en Produkt) y también miembro de SIGNAL, que saldrá el próximo marzo. Los temas incluidos son exclusivos para este maxi e incluyen remixes de ALVA NOTO, DR WALKER y SLEEPARCHIVE. (www.rotordiscos.com)

BYETONE / SLEEPARCHIVE / ALVA NOTO - Plastic Star Remixes
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CORTAS

2008-02-21T10:30:00.001-02:00

Tecnología es también la imaginación que depositamos en la máquina.

Un tal Cippolini.

JULY SKIES - THE WEATHER CLOCK

2008-02-20T17:08:00.008-02:00

Hay pocos grupos que pueden mantener una afinidad total entre la audiencias y los paisajes inconscientes de lo etéreo, del mundo oscuro donde un átomo puede generar colores crucificados en melancolía pensada, donde un segundo de meditación abre un abanico de símbolos recargados de energía arquetípica.
Todo el frío anglosajón viene de la mano del último trabajo de los JULY SKIES con su The Weather Clock.
July Skies es el grupo ideal para la gente que está descolocada de nuestro ambiente sobre explotado de excesos informativos, de sensaciones interesadas en productos que fisiológicamente jamás demandó nuestro ser.
Generan un estado de paz interno donde nos permite sumergirnos en la calma de un lago espejado, donde si miramos detenidamente sólo aparecerán los reflejos de nuestra mente los cuales pueden llevarnos una grata o extraña sorpresa y decidimos navegar más en esos recovecos que nos cuesta ver y están tan tan en los profundo de nuestro espiritu.
Cada track que pasa genera la necesidad de más tiempo, no se entiende porque no estiraron los tiempos.
Un disco altamente recomendable para cerebros acelerados.

Tracks:

01. Afternoon Pips
02. Branch Line Summers Fade
03. Girl on the Hill
04. See Britain by Train
05. Friog
06. Holidays to Wales
07. Broadcasts for Autumn Term
08. One Morning in May
09. Distant Showers Sweep Across Norfolk Schools
10. Waiting for the Test Card
11. Skies for Nash
12. To My Love

The Weather Clock limited EP
01. Afternoon Pips (Piano Version)
02. Harlow
03. Girl on the Hill (Demo)
04. See Britain by Train (Pevsner Version)
05. The Weather Clock
06. Holidays to Wales (Fegla Fawr Version)
07. Festival of Britain

Aprendé a relajarte JULY SKIES - THE WEATHER CLOCK
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H

2008-02-19T19:12:00.001-02:00

"The soul is dyed the colour of its thoughts. Think only on those things that are in line with your principles and can bear the full light of day. The content of your character is your choice. Day by day, what you think, what you choose, and what you do is who you become. Your integrity is your destiny…it is the light that guides your way." Heraclitus.